Trovador de los bosques, perdido en la gran ciudad.
Ese mismo año, se traslada a Londres, decidido a afianzar su carrera como músico, pese a la tibieza con que fue recibido su primer albúm. Así, en la soledad de un cuarto de Londres empieza a componer las piezas de su próximo álbum, “Bryter Layter”. No obstante, intenta realizar una serie de conciertos para promocionarse, pero el intento fue en vano. Nick Drake, por esos tiempos, comenzaba una retirada hacia esa otredad que muchas veces condena a los genios o talentosos. En los conciertos que no fueron más de una docena, jamás levanto la mirada o dijo palabra alguna a su público. La imagen que los pocos concurrentes recuerdan, era la de un larguirucho sentado que de manera cansina, susurraba sus melodías mirando fijamente sus zapatos. Sumado a que Nick, utilizaba raras afinaciones en sus canciones y tocaba solo con una guitarra, entre tema y tema, perdía numeroso tiempo para lograr la afinación correcta de la canción a ejecutar. Todo esto, hice que luego solo realice ocho presentaciones en vivo, y luego no lo intente nunca más, hasta 1970. Muchos dicen que la parquedad de una megápolis como Londres, afecto definitivamente el débil carácter de Nick. Así, durmiendo en los pisos o sofas de casas de amigos, empieza a componer “Bryter Layter”. El disco, se compone de canciones que suenan optimistas, pero en realidad ocultan un claro estado de abatimiento respecto a la vida, y la manera con la cuál se construyen las relaciones y el amor. Por esos tiempos, Nick tuvo lo más cercano a una relación amorosa (reflejadas en parte en los temas “Hazey Jane I”, pero que en su timidez o torpeza expresiva, la misma rápidamente se trunco. Producido por Joe Boyd, y con una fuerte producción, que consta de arreglos de cuerda de todo tipo, sumado a la inclusión de instrumentos clásicos como el bajo y la batería. Nick deja el sonido orgánico de su anterior albúm, y sumado el aporte de John Cale, en los temas “Fly” y “Northen Sky”, elabora un disco que mezcla el Folk melódico con el cocktail jazz. Así, luego de ciertas disputas con su productor, finalmente termina el disco, el cuál es editado en 1970. Con sólo 21 años, Nick da cuenta de su bipolaridad incipiente en temas como “One of these things first”, con frases como, “I could have been a sailor, could have been a cook, A real live lover, I could have been, One of these things first”, (Yo podría haber sido un marinero, podría haber sido un cocinero, Un amante de carne y hueso, Yo podría haber sido, Una de estas cosas en primer lugar), o “Fly”, “Please give me a second grace, Please give me a second face, I've fallen far down, The first time around”, (Por favor, dame una segunda gracia, Por favor, dame una segunda cara, He caído mucho más abajo, Que la primera vez). En la tapa del disco, aparece sentado sobre una guitarra acústica de 12 cuerdas, quintaesencia de faz artística, mientras que en la contratapa, aparece de espaldas, en una suerte de caminata, empuñado su guitarra y un libro. “Bryter Later”, representa las visiones de un forastero perdido en Londres, que consciente de su talento para la música utiliza la misma, para dar cuenta de ese estado inestable que hace de los genios, incapaces para sostener situaciones cotidianas y afectivas simples. El trovador de los bosques, no puede sintonizar su cuerpo y alma frente a los muros de la gran ciudad y entonces debe pedir nuevas oportunidades para volar (“Fly” o “One of these things first”), aunque los vientos soplen a contramano.
Redención y ascensión, entre lunas y estrellas
La psicosis, según términos científicos, “se caracteriza por ser un desorden mental severo, con o sin un daño orgánico, caracterizado por un trastorno de la personalidad, la perdida de contacto con la realidad y causando el empeoramiento del funcionamiento social normal”.
Hacia 1970, Bryter Layter, debido a la arquitectura musical con que fue construido, parecía ser el disco que le iba a dar cierta fama a Nick Drake, pero ocurrió todo lo contrario: tibio reconocimiento de sus pares y una marcada indiferencia de la prensa especializada en música. Nick intenta nuevamente una serie de nuevos conciertos, para promocionarse. Finalmente en el Ewell Tecnichal Collage, el principio de la barranca asomo para Nick. Monosilábico, se retiro sin decir palabra alguna, mientras ejecutaba “Fruit Tree”, y cuando todos sus allegados fueron a preguntarle que paso, el simplemente alegó: “No valía la pena, no había conexión alguna”.
La frustración por no poder superar sus miedos a presentarse en vivo, fue acrecentada por la venta de Witchseassons records, (por donde había editado sus dos primeros albúms), de su productor y gran amigo Joe Boyd al sello Island Records.
Toda esta frustración, lleva a Nick a un estado de profunda depresión hacia 1971, y que lo invadiría constantemente hasta el resto de sus días. Así, luego de una visita corta al psiquiatra quien le receta tres antidepresivos diferentes, decide volver a la casa de sus padres en Tanworth in Arden. Con un sueldo de solo 20 libras semanales, se recluye de manera autista y pasa sus días, cabizbajo observando fijamente sus zapatos y de vez en cuando, sale a recorrer con su auto las carreteras sin rumbo fijo alguno. Incluso Sophia Ryde, lo más cercano que tuvo a una novia, (los temas “Hazey Jane I” y “Hazey Jane II”, Nick se los dedicó a ella), lo abandono debido a que sus diálogos eran cada vez más monocordes y delirantes.
Hay diferentes versiones acerca del origen de Pink Moon. Algunas señalan que Island Records, no quería ni deseaba, un tercer disco de un artista que no podía vender más de tres mil copias, y que estaba en un aparente deterioro físico y mental. Otros alegan, que Cris Blackwell, dueño de Island por ese entonces, apreciaba el trabajo de Nick, y que luego de pagarle unas vacaciones en la costa española, le recomendó que llame al productor John Wood, para que grabe un nuevo álbum.
Pink Moon, es un disco que se grabó en apenas dos días. El disco fue elaborado con una estructura esquelética, ya que sólo se escucha en el mismo, la guitarra acústica y la voz de Nick, excepto en la canción “Pink Moon” donde hay leves arreglos de piano.
El disco es claramente un preludio de lo que iba a suceder dos años más tarde. Nick Drake, era una suerte de romántico que en el viaje de la vida, perdió debido a sus propios temores la cuota necesaria de narcisismo para que esta le sea más leve. Así, ante cualquier brisa en contra, queda literalmente expuesto. Pink Moon, no es un disco fúnebre, sino por el contrario, un viaje plácido, intimista y sensual, dónde la decepción o tristeza, es mitigada, en diálogos confesionales con cuerpos celestes, campos y árboles. Nick, aún sintiéndose en las penumbras de la soledad, deja de lado todo infierno dantesco, y confecciona una obra, de total redención y aceptación de sí mismo.
Temas como “Pink Moon”, donde la letra dice “I saw it written and I saw it say, Pink moon is on its way, And none of you stand so tall, Pink moon gonna get ye all, And it's a pink moon, Yes, a pink moon”, (Lo he visto escrito y lo he visto decir, La luna rosa está en camino, Y ninguno estáis a tanta altura, La luna rosa va a alcanzaros a todos, sí es una luna rosa), hablan de esa necesidad de buscar en lo invariable de la naturaleza, un ancla, para compararse con los demás, y escaparle a sus graves problemas de socialización. “Place to Be”, habla de esa pérdida de ilusión con respecto a la magia que la vida en algún momento le otorgaría, con frases como “When I was young, younger than before, I never saw the truth hanging from the door, And now I'm older see it face to face, And now I'm older gotta, get up clean the place”, (Cuando yo era joven, más joven que antes, Nunca víi la verdad colgando de la puerta, Y ahora que soy más viejo la veo cara a cara, Y ahora que soy más viejo tengo que levantarme a limpiar el lugar)
Quizá el tema que representa esa aceptación de la estación otoñal de su corazón y sentimientos, se defina claramente en uno de los mejores temas de Nick Drake de toda su obra: “Things Behind the Sun”. La canción resulta un murmullo de pesar, que construida en la particular afinación de guitarra que Nick usaba, hace que su voz suene sensualmente mortificante. La frase, “Take your time and you'll be fineAnd say a prayer for people there, Who live on the floor, And if you see what's meant to be, Don't name the day or try to say, It happened before”, (Tómate tu tiempo y estarás bien, Y reza por la gente, Que vive en el suelo, Y si ves lo que se supone que hayNo nombres la fecha ni intentes decir, Que ya pasó antes). La tapa del disco, muestra siluetas grotescas como desprendidas de una suerte “Naranja-Queso”, en dónde la cabeza de un payaso tiene la forma de un corazón. La misma sugiere un fuerte contraste a las montañas y lagunas que se observan por detrás, quizá un símbolo del estado alterado mental de Nick, que por esos tiempos ya ni siquiera su amor por la naturaleza podía combatir. La contratapa, parece un epitafio perfecto. Un desdibujado Nick, camina de espaldas, pero sin guitarra o libros, seguido solamente por un perro. Si Bryter Layter, aún daba chance para sentir que el creía en la música como salvación, mientras caminaba por un bosque, en Pink Moon, la música solo sirve como banda sonora del hundimiento espiritual y físico que lo aquejaba por aquellos años.
Luego de prolongadas crisis nerviosas, con breves internaciones en neurosiquiátricos, Nick, finalmente fallece el 25 de noviembre de 1974, producto de una sobredosis de antidepresivos, en la casa de sus padres.
Así, como el fundador de los numantinos José de Espronceda, hablaba de su propia cosecha de la vida, como escudo frente las tempestades de amoríos frustrados, Nick Drake, retoma con su música parte de esa soliloquio romántico. Sembrando un legado dónde la música revivifica el tesoro universal de los poetas de mil estrellas, que en su paso por la tierra dejan una estela fugaz y eterna, ratificando que lo importante sigue siendo la nobleza de espiritual, ya sea en lo agreste o suburbano, en la dulce tertulia o en la decadencia de todo sueño romántico terrenal. Aún y a pesar del frenético y sin sentido “polstergeist espiritual” de los tiempos actuales, dónde la salvación pareciera estar más en el legado de las obras de héroes anónimos como Nick Drake, que siempre nos recuerdan porque es bueno mantener la aptitudes virginales, profundas y sensibles de nuestra alma, sabiendo que más allá de cualquier funesta consecuencia, siempre nos espera el resguardo misericordioso y eterno del cielo y las estrellas.
sábado, 31 de enero de 2009
Nick Drake: "El trovador trágico de las mil estrellas" Parte 1
El arte, y especialmente la música, numerosas veces, nos sirve como refugio de los miedos e inseguridades que atraviesan nuestras vidas desde pequeños. Nick Drake, a través de susurros musicales atemporales, pareciera ser una muestra del trágico poeta que nace con la mejor estrella, y que avizorando la extinción de la misma, elige ascender al mágico y celestial panteón de los románticos eternos.
Brotes de agreste romanticismo
“Batallas, tempestades, amoríos, por mar y tierra, lances, descripciones, de campos y ciudades, desafíos y el desastre y furor de las pasiones, goces, dichas, aciertos, desvaríos, con algunas morales reflexiones acerca de la vida y de la muerte, de mi propia cosecha, que es mi fuerte” (Jose de Espronceda en su poema Canto I).
Los románticos presentan dos características fundamentales: Primero, su constante necesidad de buscar nuevas experiencias o sensaciones y su particular relación con la naturaleza. Esto les da a lo mismos un carácter revolucionario e inestable a la vez.
Nicholas Rodney Drake, nació en Birmania en 1948, debido a que su padre se encontraba supeditado a cuestiones laborales por esos tiempos. Luego de una forzosa vuelta a tierras británicas debido a que el clima tropical perjudicaba su salud, despierta una temprana afición por la música, logrando a los 4 años componer su primera pieza musical en piano, titulada “Cowboy Small”.
Ya hacia mediados de los 60’, el fanatismo por los Beatles y Bob Dylan, obligó a sus padres a comprarle su primera guitarra. Pese, a ser un atleta dotado naturalmente y caer bien, entre sus pares, Nick gustaba de la soledad y la observación de cualquier elemento de la naturaleza, sean las estrellas, los árboles o cuerpos celestes. Luego de finalizar su instrucción primaria en el prestigioso centro público de Marlbourough, se traslada a Cambridge en 1967, para comenzar sus estudios de literatura inglesa. Así, entre días de soledad, incipiente autismo y drogas, Nick comienza de a poco, a hacerse medianamente conocido en el circuito folk. de Cambridge. A finales del 67’, se junta con Robert Kirby, quién empieza a colaborar en algunos arreglos de las canciones de Nick, muchos de los cuáles recién verían la luz pública, casi veinte años después en compilados como “Time of no Reply”o “Tanworth in Arden, 67-68”. Luego de un viaje alucinógeno a Marruecos, donde cuenta la leyenda, desafió en un duelo acústico de fogata y haschís, al mismísimo Brian Jones, conoce a alguien que iba a ser fundamental en su carrera para mal y para bien: el productor Joe Boyd. Dueño de la compañía Witchseassions Productions y joven veinteañero al igual que Nick, queda fascinado al escuchar sus canciones. Su particular uso de las afinación de la guitarra, sumado a los clusters tonales que utilizaba, daban esa sensación de una hipnótica delicadeza clemente y hosca a la vez, ya sea para describir el paso ineludible del tiempo a través de personajes o marcos naturales como las estrellas, ríos o árboles.
Hacia 1968, y con Joe Boyd, como productor, comienza a grabar “Five Leaves Left”. El albúm rastrea cierta influencia del “Songs of Leonard Cohen” y del “Astral Weeks” de Van Morrison, en el sentido de la intensidad confesional de las canciones. A nivel sonoro y estructura instrumental, el disco es claramente orgánico en su sonido. Los arreglos luego de una intensa disputa con Boyd, fueron grabados por su amigo Robert Kirby, excepto en la canción “River Man”, realizados por “Harry Robinson”. Los mismos suenan barrocos, a través del uso de violonchelos y contrabajos, y encajan perfectamente en esa climatología melancólica y agreste, que acompaña a las canciones del álbum.
En la portada, se ve a un joven Nick mirando hacia abajo por una ventana, y en contratapa del albúm, se encuentra el mismo en cierta actitud desafiante, mientras se apoya en una columna de la calle. Ya desde el título, “Five leaves left”, (cinco para terminar) Nick habla sobre su obsesión por el paso del tiempo que deja atrás los recuerdos puros y virginales de su adolescencia. Los personajes descriptos en las canciones (Betty,) quedan estancados en la duda eterna de las acciones a tomar y lo único que fluye con normalidad parecieran ser los ríos, las flores y las estrellas. En temas como “Day is Done”, menciona la lapidaria duda existencial que nos acecha una vez desprendidos del refugio uterino, “when the bird has flown, got no one to call your own, got no place to call your home, when the bird has flown” (Cuando el pájaro ha echado a volar, no tienes a nadie que te llame, no tienes ningún lugar al que llamar a tu casa, cuando el pájaro ha echado a volar). También hay lugar, para narrar, ese estado de consciente abatimiento que conllevaba, desde pequeño. Así, despreocupándose de cualquier intento de colgarse del circo de neón de los famosos en la música, Nick Drake, en “Fruit Tree”, y con solo 20 años, narra en la canción, “Fame is but a fruit treeSo very unsound, It can never flourish, Till its stalk is in the ground, So men of fame, Can never find a way, Till time has flown”, (La fama no es más que un árbol frutal, Así, tan inestable, Nunca puede florecer, Hasta que su tronco está en el suelo, Así es como los hombres de fama, nunca pueden encontrar un camino, hasta que el tiempo ha volado”). Nick, parecía ser consciente de que pasan los hombres y el éxito o no de las mismos, y solo quedan las canciones. El disco, representa en síntesis, una suerte de autoexilio romántico, paisajista y agreste, que pareciera marcar un viaje de ida y sin retorno, dónde talento y creatividad, lidiaban con la marea turbulenta de la inestabilidad emocional, aún no tan visible en Drake. Así, como el lado bueno de Joe Boyd, eran sus dotes como productor, el malo era su poca capacidad para lograr difusión y promoción con el disco. Con la decadencia de los estribillos del “Mersey Beat”, eran tiempos de canciones de protesta y los cantautores de Folk, llevaban las de ganar. Sin embargo, una vez editado el disco en 1969, no tuvo reseñas favorables de la prensa especializada, y el único que lo apoyo con mediano entusiasmo fue el Dj de la BBC Jhon Peel. Incluso fue tal el nivel de desorganización, que la funda del álbum tenía, el orden de los temas de manera incorrecta.
Bernardo Damián Dimanmenendez
Trovadores del lustro "K": Guerra de Almohadas
1 ¿Por qué Guerra de Almohadas?
2. ¿Cómo definirían su música?
3. ¿Cómo se conforma la banda?
4. ¿Qué bandas les parecen interesantes en el plano local y en el plano internacional?
5. La mirada en su música, pareciera hablar de problemas de clásicos de juventud, como aburrimiento, desidia, drogas, incomunicación o anorexia sentimental. Frases como “Buenas noches a las 3 de la tarde, prefiero pasar el resto del día en mi cama” u “Horas de drogas y alcohol, picadas en la ciudad, 210 por hora, cuerpos muertos por hora ¿Para ustedes, los momentos de creación se encuentran más en estados de pasividad cotidiana, o en la aceleración de la noche, con sus consabidos estimulantes etílicos y toxicológicos?
6. ¿Hasta que punto ven hoy en día a la TV o Internet, como formadoras de un imaginario social, más que la experiencia de la vida misma, en el sentido de cómo se construyen ideas erradas sobre el rock, a partir de lo que rota por las grandes cadenas, acerca del mismo?.
7. ¿Cómo ven a la mayoría de los adolescentes que se acercan al rock, ya sea para escucharlo o practicarlo?
8. Esa especie de oda musical que practican entre el guiño irónico y la devoción, por el Manchester y su movida musical; ¿Creen que es posible que se desarrolle a nivel masivo, en un país tercermundista como Argentina, con lo rudimentario que se ha vuelto el gusto popular, producto de la decadencia económica y cultural?
9. ¿Cuáles son los planes o expectativas a futuro?
2. ¿Cómo definirían su música?
3. ¿Cómo se conforma la banda?
4. ¿Qué bandas les parecen interesantes en el plano local y en el plano internacional?
5. La mirada en su música, pareciera hablar de problemas de clásicos de juventud, como aburrimiento, desidia, drogas, incomunicación o anorexia sentimental. Frases como “Buenas noches a las 3 de la tarde, prefiero pasar el resto del día en mi cama” u “Horas de drogas y alcohol, picadas en la ciudad, 210 por hora, cuerpos muertos por hora ¿Para ustedes, los momentos de creación se encuentran más en estados de pasividad cotidiana, o en la aceleración de la noche, con sus consabidos estimulantes etílicos y toxicológicos?
6. ¿Hasta que punto ven hoy en día a la TV o Internet, como formadoras de un imaginario social, más que la experiencia de la vida misma, en el sentido de cómo se construyen ideas erradas sobre el rock, a partir de lo que rota por las grandes cadenas, acerca del mismo?.
7. ¿Cómo ven a la mayoría de los adolescentes que se acercan al rock, ya sea para escucharlo o practicarlo?
8. Esa especie de oda musical que practican entre el guiño irónico y la devoción, por el Manchester y su movida musical; ¿Creen que es posible que se desarrolle a nivel masivo, en un país tercermundista como Argentina, con lo rudimentario que se ha vuelto el gusto popular, producto de la decadencia económica y cultural?
9. ¿Cuáles son los planes o expectativas a futuro?
1.Teníamos una lista de nombres bastante particulares y al final quedo Guerra de almohadas, que no nos gusto mucho al principio, pero con el tiempo nos cabió. No tiene nada que ver con el planetario.
2.NO NOS GUSTA DEFINIR LO QUE HACEMOS, NUNCA PENSAMOS AL RESPECTO, Y NO NOS INTERESA SEGUIR UN ESTILO O UNA MOVIDA. LOS DISCOS QUE MAS NOS GUSTAN GENERALMENTE NO TIENEN CONCEPTO O UN ESTILO FIJO, NOS GUSTA MAS LA MEZCLA.
3.JUMA: guitarras, NAKA: bajo, PAUL: batería, TOMI: voces, teclados y demás. Últimamente lo invitamos a Santi, un amigo que nos ayuda con la percusión.
4.De acá y de ahora nos gusta mucho Babasónicos, El mató a un Policía Motorizado, Paralelos, Victoria mil, Los Reyes del Falsete… Y de afuera escuchamos MGMT, Strokes, Primal Scream… después cada uno tiene gustos diferentes.
5.El mejor momento es a las 9 de la mañana de un domingo, sin poder dormir por la resaca. Ahí salen cosas copadas. Pero la verdad es que no hay mucho laburo en la composición, las letras generalmente salen de frases que va rimando Tomás y después con el tiempo saco alguna interpretación, que va variando y depende el estado de ánimo. Esta bueno que no tengan un significado fijo y que cada uno piense lo que quiera. El laburo verdadero está cuando armamos los temas en la sala, y ahí estamos bastante sobrios porque sino pifiamos mal.
6.Los medios están ahí desde siempre, lo que proyecten solo te afecta si sos medio boludo o no tenés iniciativa. Debe haber mucha gente a la que la música no le interesa en lo mas mínimo, no nos preocupa eso a nosotros. Cada uno sabe lo que es el rock, y si viene Google y te dice que estas equivocado y le haces caso, bueno, pegate un tiro que se yo. A menos que Google tuviera razón.
7.Y, generalmente confundidos, sobretodo para practicarlo y escucharlo. Podemos decir que escuchar música y ensayar ayuda bastante. Si escuchas cosas buenas y tenes una mínima idea, no es complicado hacer algo bueno, pero tenes que ponerte y hacerlo en serio.
8.No, acá esas movidas no existen. Un movimiento implica una gran cantidad de personas y en Buenos Aires hay muy pocos que hacen cosas serias. Lo que a nosotros nos gusta de Manchester es la fiesta, el movimiento general no lo tenemos muy presente. Stone Roses es la única banda que escuchamos de la época. Lo que pasa es que Manchester es un titulo copado para un tema.
9.Estamos ensayando mucho porque en febrero grabamos el disco. Y a largo plazo, un river, un velez. Y después conquistar el mundo entero.
viernes, 28 de noviembre de 2008
Jarvis Cocker: "Entre las ganas de pertenecer y la decepción de la adopción" Parte 4
Opus Freak Final
Para aquél tímido freak de los 80’, llega finalmente el tiempo de distensión y aceptación de sí mismo. Así decide mudarse a París, juntarse y de paso porque no animarse a tener un hijo. Así, luego de diversos experimentos solitas, con “Relaxed Muscle”, colaboraciones junto a Nancy Sinatra , los franceses Air y en el film Harry Potter y el Cáliz de Fuego aportando tres tema e incluso actuando en una parte de la película edita su primer álbum solista en el 2006 titulado simplemente “Jarvis”. La canción “Disney Time”, quizá resulte la síntesis perfecta de este momento de aceptación de alguien que predestinado al polvo, supo bajar bien parado la escalera de las fama. “I feel so much better, since I learned to avert my eyes, Now It´s disney time”. (Me siento mucho mejor, desde que aprendí a cuidar mis ojos, ahora es el tiempo de Disney”).
Jarvis Cocker, pareciera la muestra de aquellas personas que haciendo de sus defectos algo perfecto, logran en la capacidad de visualizar en imágenes cotidianas y simples, elementos mágicos. Superando un supuesto magro destino, emigrando hacia un lugar de mérito y triunfo artístico y captando con fila ironía o luctuosa perversión en sus canciones los estados anímicos de personajes comunes o vivencias personales. Sabiendo que una vez que había llegado, la retirada estaba a la vuelta de la esquina. Sin necesidad de autoincendio personal, pero con la convicción de que las cosas marchan a su debido tiempo, y que en el fondo vale el intento de contarle al mundo anhelos y sueños personales, más allá de que este siga girando de la manera menos convincente y conveniente.
Bernardo Damián Dimanmenendez
Para aquél tímido freak de los 80’, llega finalmente el tiempo de distensión y aceptación de sí mismo. Así decide mudarse a París, juntarse y de paso porque no animarse a tener un hijo. Así, luego de diversos experimentos solitas, con “Relaxed Muscle”, colaboraciones junto a Nancy Sinatra , los franceses Air y en el film Harry Potter y el Cáliz de Fuego aportando tres tema e incluso actuando en una parte de la película edita su primer álbum solista en el 2006 titulado simplemente “Jarvis”. La canción “Disney Time”, quizá resulte la síntesis perfecta de este momento de aceptación de alguien que predestinado al polvo, supo bajar bien parado la escalera de las fama. “I feel so much better, since I learned to avert my eyes, Now It´s disney time”. (Me siento mucho mejor, desde que aprendí a cuidar mis ojos, ahora es el tiempo de Disney”).
Jarvis Cocker, pareciera la muestra de aquellas personas que haciendo de sus defectos algo perfecto, logran en la capacidad de visualizar en imágenes cotidianas y simples, elementos mágicos. Superando un supuesto magro destino, emigrando hacia un lugar de mérito y triunfo artístico y captando con fila ironía o luctuosa perversión en sus canciones los estados anímicos de personajes comunes o vivencias personales. Sabiendo que una vez que había llegado, la retirada estaba a la vuelta de la esquina. Sin necesidad de autoincendio personal, pero con la convicción de que las cosas marchan a su debido tiempo, y que en el fondo vale el intento de contarle al mundo anhelos y sueños personales, más allá de que este siga girando de la manera menos convincente y conveniente.
Bernardo Damián Dimanmenendez
Jarvis Cocker: "Entre las ganas de pertenecer y la decepción de la adopción" Parte 3
Peregrino en la cuesta
Toda fiesta tiene su final. Así en los supuestos días de gloria, la resaca anímica y espiritual es cuestión de tiempo.
Recaído por los excesos toxicológicos, Jarvis aún muestra muñeca para darse cuenta de la funesto y fariseos que parecen estos supuestos años de gloria.
Así, elabora con los suyos “This is Hardcore”. El cuál más allá de la crudeza que evidencia su título, representa un mapeo claro existencialista y terrenal, (al contrario de Radiohead que busca el escape por fuera de lo cotidiano), de que ese supuesto paraíso edénico y socialista británico de días brillantes, era solo un erupto de paranoico cocaimáno.(“Glory Days, tiene en un single del disco una versión de idéntica composición musical pero diferente lirica y titulada “Cocaine Socialism”.)
Desde el inicio, el álbum suena luctuoso, como defenestrando cualquier intento de idolatría, sino mostrándose como un hombre como cualquier otro, que siente miedo, compasión, arrogancia o vergüenza, y que “no puede convertir el agua en vino, sino solo lavar los platos sucios” (“Dishes”).
Quizá a los 33 años luego de haber buscado tanto el reconocimiento, el sabor degustado le pareció rancio, y en el fondo la desesperanza y tristeza nos invade a todos por igual. La letra de “TV Movie”, resulta contundente: “Without you my life has become a hangover without end. A movie made for TV: bad dialogue, bad acting, no interest”. “Sin querer mi vida se ha convertido en una resaca sin fin. A movie made for TV: bad dialogue, Una mala película hecha para televisión: malos diálogo, bad acting, no interest.actuando mal, sin interés”. Pese a los méritos musicales This is Hardcore, resulta un fracaso en ventas comparado con Different Class. El encuentro entre incultos y alta alcurnia llega a su fin, y bajando la cuesta solo quedan por el año 98’, los restos de la fiesta de la Cool Britannia.
La revolución carnal y espiritual del Brit-pop, no tenía bases firmes ideológicas, y con el tiempo solo quedarían cenizas de su energía inicial. Jarvis se encierra, cada vez más en sí mismo, viendo como llegar a las estrellas, es más que nada en el rock, aspirar gramos blanco de su polvo, bien cerca de la vanidad obsoleta y lejos del fragor heroico que cambie las cosas para mejor.
Así, decide cambiar de vida, volverse vegetariano, refugiarse en paseos campestres y dejar las limousines por paseos en bicicletas.
Esta especie de volver a recrearse para purificarse, lo lleva a componer “We love Life”, editado en el 2001 y producido por uno de sus referentes musicales Scott Walker. Un álbum que parece no inscribir bien a Pulp, en la presente década, y que termina otorgando algún que otro chispazo en la balada “Birds in your Garden”, o “The Trees”, que hablan del estado botánico anímico de sus sentimientos por fuera del circo del rock. Con bajo número de ventas, termina su contrato con Island Records y Jarvis, decide tomarse un respiro y separar a Pulp.
Recaído por los excesos toxicológicos, Jarvis aún muestra muñeca para darse cuenta de la funesto y fariseos que parecen estos supuestos años de gloria.
Así, elabora con los suyos “This is Hardcore”. El cuál más allá de la crudeza que evidencia su título, representa un mapeo claro existencialista y terrenal, (al contrario de Radiohead que busca el escape por fuera de lo cotidiano), de que ese supuesto paraíso edénico y socialista británico de días brillantes, era solo un erupto de paranoico cocaimáno.(“Glory Days, tiene en un single del disco una versión de idéntica composición musical pero diferente lirica y titulada “Cocaine Socialism”.)
Desde el inicio, el álbum suena luctuoso, como defenestrando cualquier intento de idolatría, sino mostrándose como un hombre como cualquier otro, que siente miedo, compasión, arrogancia o vergüenza, y que “no puede convertir el agua en vino, sino solo lavar los platos sucios” (“Dishes”).
Quizá a los 33 años luego de haber buscado tanto el reconocimiento, el sabor degustado le pareció rancio, y en el fondo la desesperanza y tristeza nos invade a todos por igual. La letra de “TV Movie”, resulta contundente: “Without you my life has become a hangover without end. A movie made for TV: bad dialogue, bad acting, no interest”. “Sin querer mi vida se ha convertido en una resaca sin fin. A movie made for TV: bad dialogue, Una mala película hecha para televisión: malos diálogo, bad acting, no interest.actuando mal, sin interés”. Pese a los méritos musicales This is Hardcore, resulta un fracaso en ventas comparado con Different Class. El encuentro entre incultos y alta alcurnia llega a su fin, y bajando la cuesta solo quedan por el año 98’, los restos de la fiesta de la Cool Britannia.
La revolución carnal y espiritual del Brit-pop, no tenía bases firmes ideológicas, y con el tiempo solo quedarían cenizas de su energía inicial. Jarvis se encierra, cada vez más en sí mismo, viendo como llegar a las estrellas, es más que nada en el rock, aspirar gramos blanco de su polvo, bien cerca de la vanidad obsoleta y lejos del fragor heroico que cambie las cosas para mejor.
Así, decide cambiar de vida, volverse vegetariano, refugiarse en paseos campestres y dejar las limousines por paseos en bicicletas.
Esta especie de volver a recrearse para purificarse, lo lleva a componer “We love Life”, editado en el 2001 y producido por uno de sus referentes musicales Scott Walker. Un álbum que parece no inscribir bien a Pulp, en la presente década, y que termina otorgando algún que otro chispazo en la balada “Birds in your Garden”, o “The Trees”, que hablan del estado botánico anímico de sus sentimientos por fuera del circo del rock. Con bajo número de ventas, termina su contrato con Island Records y Jarvis, decide tomarse un respiro y separar a Pulp.
Bernardo Damián Dimanmenendez
Jarvis Cocker: "Entre las ganas de pertenecer y la decepción de la adopción" Parte 2
Laborismo y Turra revolución
“Nosotros, y el presidente Tony Blair, estamos haciendo todo lo posible para que las cosas cambien para mejor. Viva el Brit-Pop, viva el New Labour”. (Noel Gallagher durante la entrega de los Brit Awards en junio del 95’).
Luego de Separations, Pulp consigue firmar contrato con Island Records. Así, luego de una serie de compilados, en dónde afinan su sonido o en todo caso lo reactualizan, siendo uno de esos raros casos, dónde bandas de otras décadas se inscriben de manera plena y moderna en la actual.
Así, la estética que se define en los compilados como “Intro”, no solamente muestran a la banda estilizado en un retro “Kistch”, sino que sus temas ya empiezan a sonar a obras personales, modernas y frescas, tal es el caso de “Styroloc Nites of Suburbia”, “Razzmatazzz” o “Babies”.
Así, encontrando su lenguaje musical que los llevaría a la fama mundial, Pulp sintetiza en los 90’, el origen, auge y decadencia de la ya legendaria “Cool Britannia” de los 90’.
Luego de casi 12 años, de férreo neoliberalismo conservador, los jóvenes ingleses quieren despabilarse nuevamente, como ocurrió en los 60’ y en los 70’ con el punk.
Extasis, raves y extensas y febriles salidas nocturnas, son la conducta a seguir férreamente por los jóvenes de las islas en los primeros años de los 90’.
Jarvis capta el espíritú de época, y los Pulp, lanzan His’n’Hers, un álbum que elegante que capta las vibraciones que se sienten entre el neón de las noches, con las hormonas que despiertan la nocturnidad buscando doncellas para domar, como también los maneísmos y estereotipos de estas. El disco suena como si se tratará del inicio de un nuevo espíritu epocal y existencial para los británicos. “Do you remenber the first time”, es el primer que consagra masivamente a Jarvis y Pulp. Logrando describir una vivencia universal y común, de manera concluyente y melancólica a la vez, sobretodo en ese final que narra “You wanna go home” (Tienes que volver a casa).
Mientras Blur y Oasis, se peleaban por un supuesto trono de papel, Jarvis y los suyos sacan hacia mediados del 95’, Different Class.
Dicho disco constituye la síntesis perfecta de lo que fueron aquellos años dorados del pop Británico. Sin darwinismo social, depositados hacia un costado los ilustrados y la gente de alta alcurnia como modelo a seguir, lo popular adquiere un valor agregado simbólico, y que más allá de la demagogia que implique constituye un estereotipo inimaginable años atrás, alentado en parte también por la nueva política laborista.
El álbum suena a plena obra temporal y contextual. Ya desde el primer tema “Miss-shapes”, la frase “Oh really. Brothers, sisters, can't you see? The future's owned by you and me. We're making a move, we're making it now, we're coming out of the side-lines.” (Hermanos y hermanos no pueden ver, el futuro para mi y ustedes. Estamos haciendo un movimiento y lo estamos haciendo ahora. Estamos saliendo de las líneas laterales”). Gran Bretaña, se ponía de vuelta a la cabeza del mundo como barómetro cultural. El partido laborista, era joven como el Brit-pop, a la vez que estos no se jactaban de ningún tipo de ideología nihilista o revolucionaria, sino plenamente hedonista. Festejando a puro reviente el presente, ya no había ganas de diferenciarse, sino de encontrarse más allá de todo diferencia cultural o social.
Differentt Class, capta plenamente eso, a través de la utilización de la ironía de aquellos que fetichizan a la tradicional cultura trabajadora como una especie de mesías a seguir.
“Comon People”, trabaja con ese concepto, a la vez que otros temas como “Disco 2000”, “Something Changed”, hablan de esa necesidad de encontrarse con el otro, más allá de que uno no sepa bien quién es, ni de quién se trata el otro.
En síntesis, “Different Class”, es el claro resumen de aquellos días festivos, de excesos y alegría, del encuentro del británico intelectual y pudiente con su clase trabajadora, de Ewan Mc Gregor deslumbrando a modelos, de Kate Moss tendida a los pies de Liam Gallagher, del freak, ridiculizando cualquier concepto de mito intocable para la música, (Jarvis mostrando su trasero mientras Michael Jackson, ofrecía su show en los Brit Awards 96’).
“Nosotros, y el presidente Tony Blair, estamos haciendo todo lo posible para que las cosas cambien para mejor. Viva el Brit-Pop, viva el New Labour”. (Noel Gallagher durante la entrega de los Brit Awards en junio del 95’).
Luego de Separations, Pulp consigue firmar contrato con Island Records. Así, luego de una serie de compilados, en dónde afinan su sonido o en todo caso lo reactualizan, siendo uno de esos raros casos, dónde bandas de otras décadas se inscriben de manera plena y moderna en la actual.
Así, la estética que se define en los compilados como “Intro”, no solamente muestran a la banda estilizado en un retro “Kistch”, sino que sus temas ya empiezan a sonar a obras personales, modernas y frescas, tal es el caso de “Styroloc Nites of Suburbia”, “Razzmatazzz” o “Babies”.
Así, encontrando su lenguaje musical que los llevaría a la fama mundial, Pulp sintetiza en los 90’, el origen, auge y decadencia de la ya legendaria “Cool Britannia” de los 90’.
Luego de casi 12 años, de férreo neoliberalismo conservador, los jóvenes ingleses quieren despabilarse nuevamente, como ocurrió en los 60’ y en los 70’ con el punk.
Extasis, raves y extensas y febriles salidas nocturnas, son la conducta a seguir férreamente por los jóvenes de las islas en los primeros años de los 90’.
Jarvis capta el espíritú de época, y los Pulp, lanzan His’n’Hers, un álbum que elegante que capta las vibraciones que se sienten entre el neón de las noches, con las hormonas que despiertan la nocturnidad buscando doncellas para domar, como también los maneísmos y estereotipos de estas. El disco suena como si se tratará del inicio de un nuevo espíritu epocal y existencial para los británicos. “Do you remenber the first time”, es el primer que consagra masivamente a Jarvis y Pulp. Logrando describir una vivencia universal y común, de manera concluyente y melancólica a la vez, sobretodo en ese final que narra “You wanna go home” (Tienes que volver a casa).
Mientras Blur y Oasis, se peleaban por un supuesto trono de papel, Jarvis y los suyos sacan hacia mediados del 95’, Different Class.
Dicho disco constituye la síntesis perfecta de lo que fueron aquellos años dorados del pop Británico. Sin darwinismo social, depositados hacia un costado los ilustrados y la gente de alta alcurnia como modelo a seguir, lo popular adquiere un valor agregado simbólico, y que más allá de la demagogia que implique constituye un estereotipo inimaginable años atrás, alentado en parte también por la nueva política laborista.
El álbum suena a plena obra temporal y contextual. Ya desde el primer tema “Miss-shapes”, la frase “Oh really. Brothers, sisters, can't you see? The future's owned by you and me. We're making a move, we're making it now, we're coming out of the side-lines.” (Hermanos y hermanos no pueden ver, el futuro para mi y ustedes. Estamos haciendo un movimiento y lo estamos haciendo ahora. Estamos saliendo de las líneas laterales”). Gran Bretaña, se ponía de vuelta a la cabeza del mundo como barómetro cultural. El partido laborista, era joven como el Brit-pop, a la vez que estos no se jactaban de ningún tipo de ideología nihilista o revolucionaria, sino plenamente hedonista. Festejando a puro reviente el presente, ya no había ganas de diferenciarse, sino de encontrarse más allá de todo diferencia cultural o social.
Differentt Class, capta plenamente eso, a través de la utilización de la ironía de aquellos que fetichizan a la tradicional cultura trabajadora como una especie de mesías a seguir.
“Comon People”, trabaja con ese concepto, a la vez que otros temas como “Disco 2000”, “Something Changed”, hablan de esa necesidad de encontrarse con el otro, más allá de que uno no sepa bien quién es, ni de quién se trata el otro.
En síntesis, “Different Class”, es el claro resumen de aquellos días festivos, de excesos y alegría, del encuentro del británico intelectual y pudiente con su clase trabajadora, de Ewan Mc Gregor deslumbrando a modelos, de Kate Moss tendida a los pies de Liam Gallagher, del freak, ridiculizando cualquier concepto de mito intocable para la música, (Jarvis mostrando su trasero mientras Michael Jackson, ofrecía su show en los Brit Awards 96’).
Jarvis Cocker: "Entre las ganas de pertenecer y la decepción de la adopción" Parte 1
En la historia de los deseos y la realidad, entre los sueños y lo concreto, siempre lo primero parece imponerse a lo segundo. La biografía de Jarvis Cocker, parecería romper con todo este presupuesto histórico. Desde su armazón de hierro en los 80’, como freak denostado, hasta su metamorfosis como dandy aclamado en los 90’, elabora una carrera artística como si se tratara de un gitano explorador de los sentimientos propios y ajenos.
Así en dicha búsqueda, menguando entre la pesadumbre y la consagración, entre el abatimiento y el hedonismo, describió en sus canciones una carretera de emociones cotidianas, narradas con sensualidad, perversión y emoción, teniendo bien en claro en su recorrido, que uno no es nadie cuando llega, y menos aún cuando todos se fueron.
Luces de Faro, entre rezagados.
Margaret Tacher, Conferencia sobre el neo-liberalismo , agosto de 1982:
“La competitividad es fundamental porque sirve para separar el polvo de la paja, a los hombres de los niños, a los competentes de los incompetentes..Su única finalidad es la de gestionar todo tipo de recursos, sean físicos, naturales, humanos o Es nuestro deber celebrar la desigualdad y asegurarnos de dar proyección al talento y la destreza de los dotados para que abunde en beneficio de todos."
La primera ministra británica discípula expresaba a partir de estas palabras un discurso de corte plenamente Darwinista. Su programa para amalgar a la sociedad británica de dichos tiempos, cansada de los constantes fracasos del Partido Laborista, podría definirse con estas tres siglas. “NHA” (No Hay Alternativa).
Nacido en la fabril ciudad de Sheffield, el 19 de septiembre de 1969, Jarvis Cocker vio desde temprana edad, a la música como un refugio para paliar sus miedos y vergüenzas personales, y a la vez como manera de autentificar mediante la música el malestar que lo acogía desde su adolescencia.
Así, entre los escombros de las fábricas abandonadas por la crisis del petróleo, decide armar su primera banda denominada “Arabicus Pulp”, para después rebautizarla simplemente como Pulp.
Así, a principios de los 80’, e inspirados en tibias melodías folk y New Wave, lanza en 1983 “It” sin ningún miembro, exceptuando a él, de la formación que lo consagraría en los 90’. Toda esa susceptibilidad de aquellas personas de inestable personalidad y que no detenta la fortaleza para someterse al salvajismo régimen cultural de la nueva era Tacheriana, parece afectar a Jarvis, en un disco que suena a deseo por escapar de sí mismo. Así, los temas narran luces que iluminan un camino a medias “My Lighthouse”, ardor por la impotencia de no ser querido “Wisful Thinking”, y otros irónicos como el folk, “Love Love”. Más allá de cierta influencia del grupo Wham!, el disco resulta neutro emocionalmente y bastante discreto musicalmente, por lo que salvo Jarvis, el resto de los miembros abandona la formación.
En 1986, con la incorporación de Russell Señor y Candida Doyle, la banda lanza Freaks mediante el sello Fire Records. .El disco parece una obra “post dark”, en dónde se describe toda esa otredad que Tachert y los suyos deslindaban como supuestas atrocidades de la humanidad y sin chance alguna para la recomposición. Así, describe los salones de belleza como anoréxicos de espíritu, (“Anorexic Beauty”), “amos del universo”, que en verdad solamente son paladines de la masturbación (“Master of the Universe”) y “Fairground”, una especie de pieza tribal mística musical, que sintetiza el concepto de grotesco oculto bajo las frívolas alfombras del gobierno de la Dama de Hierro. La experimentación musical de “Freaks”, no termina de ser fina, perdiendo las canciones impacto emocional, cosa que desde una óptica más sintética y efectiva, podían realizar grupos más disciplinados musicalmente como The Cure con su “Kiss me, Kiss me, Kiss me” o New Order en “Brotherhood”.
Decide momentáneamente dejar la música y se muda a Londres junto con el futuro bajista de Pulp, Steve Mackey. Alentados por una sorpresiva convocatoria de Fire Records graban Separations en 1989, incorporando a Nick Banks en batería. Así, graban un disco que suena tenue o monocorde a nivel ideas, pero que cuenta con dos piezas magistrales, “My Legendary Girlfriend” y “Countdown”. La primera provocó que definitivamente Jarvis vuelva a apostar a la música como profesión al ser mencionada como canción de la semana por la revista NME, y “Countdown”, a través de meticulosas programaciones de caja de ritmos, burbujeantes teclados y acelerada melodía, permite que la voz de Cocker, finalmente explote de mantera plena, aprovechando esos fraseos desesperados, seductores y pegadizos.
Parecería que en el “conteo final” de dicho tema, hay un cierre y apertura a la vez. Cierre de esa sensación de sentirse aplacado por un régimen escatológico que ya no disponía ni de apoyo popular ni simbólico y terminación de cualquier tipo de duda existencial que atravesó a Jarvis durante varios años. Apertura de nuevos tiempos, los británicos sentían la necesidad de un cambio no sólo político, sino también de reactualización de sus histriónicas normas culturales. Los desplazados querían volver a mostrar voz, sin miedo alguno y alentaban una revolución psico-dinámica, no política ni ideológica, sino directa, turra y carnal. La letra de “Countdown”, sintetiza la idea anterior: “Keep very still, for the strangest things are about to happen."Oh I was seventeen when I heard the countdown start, it started slowly.That this time it was for real there was no place to hide. Oh so it went for several years I couldn't stand it. They say it's all a lie and now and now it's coming down. Oh baby now”. “Mantengánse muy quietos porque las cosas extrañas están a punto de suceder. Cuando tenía diecisiete escuché que la cuenta regresiva empezaba lentamente. Por lo que fueron esos severos años que no pude soportar. Ellos dicen que es todo una mentira y ahora se viene todo abajo. Si ahora nena”.
Así en dicha búsqueda, menguando entre la pesadumbre y la consagración, entre el abatimiento y el hedonismo, describió en sus canciones una carretera de emociones cotidianas, narradas con sensualidad, perversión y emoción, teniendo bien en claro en su recorrido, que uno no es nadie cuando llega, y menos aún cuando todos se fueron.
Luces de Faro, entre rezagados.
Margaret Tacher, Conferencia sobre el neo-liberalismo , agosto de 1982:
“La competitividad es fundamental porque sirve para separar el polvo de la paja, a los hombres de los niños, a los competentes de los incompetentes..Su única finalidad es la de gestionar todo tipo de recursos, sean físicos, naturales, humanos o Es nuestro deber celebrar la desigualdad y asegurarnos de dar proyección al talento y la destreza de los dotados para que abunde en beneficio de todos."
La primera ministra británica discípula expresaba a partir de estas palabras un discurso de corte plenamente Darwinista. Su programa para amalgar a la sociedad británica de dichos tiempos, cansada de los constantes fracasos del Partido Laborista, podría definirse con estas tres siglas. “NHA” (No Hay Alternativa).
Nacido en la fabril ciudad de Sheffield, el 19 de septiembre de 1969, Jarvis Cocker vio desde temprana edad, a la música como un refugio para paliar sus miedos y vergüenzas personales, y a la vez como manera de autentificar mediante la música el malestar que lo acogía desde su adolescencia.
Así, entre los escombros de las fábricas abandonadas por la crisis del petróleo, decide armar su primera banda denominada “Arabicus Pulp”, para después rebautizarla simplemente como Pulp.
Así, a principios de los 80’, e inspirados en tibias melodías folk y New Wave, lanza en 1983 “It” sin ningún miembro, exceptuando a él, de la formación que lo consagraría en los 90’. Toda esa susceptibilidad de aquellas personas de inestable personalidad y que no detenta la fortaleza para someterse al salvajismo régimen cultural de la nueva era Tacheriana, parece afectar a Jarvis, en un disco que suena a deseo por escapar de sí mismo. Así, los temas narran luces que iluminan un camino a medias “My Lighthouse”, ardor por la impotencia de no ser querido “Wisful Thinking”, y otros irónicos como el folk, “Love Love”. Más allá de cierta influencia del grupo Wham!, el disco resulta neutro emocionalmente y bastante discreto musicalmente, por lo que salvo Jarvis, el resto de los miembros abandona la formación.
En 1986, con la incorporación de Russell Señor y Candida Doyle, la banda lanza Freaks mediante el sello Fire Records. .El disco parece una obra “post dark”, en dónde se describe toda esa otredad que Tachert y los suyos deslindaban como supuestas atrocidades de la humanidad y sin chance alguna para la recomposición. Así, describe los salones de belleza como anoréxicos de espíritu, (“Anorexic Beauty”), “amos del universo”, que en verdad solamente son paladines de la masturbación (“Master of the Universe”) y “Fairground”, una especie de pieza tribal mística musical, que sintetiza el concepto de grotesco oculto bajo las frívolas alfombras del gobierno de la Dama de Hierro. La experimentación musical de “Freaks”, no termina de ser fina, perdiendo las canciones impacto emocional, cosa que desde una óptica más sintética y efectiva, podían realizar grupos más disciplinados musicalmente como The Cure con su “Kiss me, Kiss me, Kiss me” o New Order en “Brotherhood”.
Decide momentáneamente dejar la música y se muda a Londres junto con el futuro bajista de Pulp, Steve Mackey. Alentados por una sorpresiva convocatoria de Fire Records graban Separations en 1989, incorporando a Nick Banks en batería. Así, graban un disco que suena tenue o monocorde a nivel ideas, pero que cuenta con dos piezas magistrales, “My Legendary Girlfriend” y “Countdown”. La primera provocó que definitivamente Jarvis vuelva a apostar a la música como profesión al ser mencionada como canción de la semana por la revista NME, y “Countdown”, a través de meticulosas programaciones de caja de ritmos, burbujeantes teclados y acelerada melodía, permite que la voz de Cocker, finalmente explote de mantera plena, aprovechando esos fraseos desesperados, seductores y pegadizos.
Parecería que en el “conteo final” de dicho tema, hay un cierre y apertura a la vez. Cierre de esa sensación de sentirse aplacado por un régimen escatológico que ya no disponía ni de apoyo popular ni simbólico y terminación de cualquier tipo de duda existencial que atravesó a Jarvis durante varios años. Apertura de nuevos tiempos, los británicos sentían la necesidad de un cambio no sólo político, sino también de reactualización de sus histriónicas normas culturales. Los desplazados querían volver a mostrar voz, sin miedo alguno y alentaban una revolución psico-dinámica, no política ni ideológica, sino directa, turra y carnal. La letra de “Countdown”, sintetiza la idea anterior: “Keep very still, for the strangest things are about to happen."Oh I was seventeen when I heard the countdown start, it started slowly.That this time it was for real there was no place to hide. Oh so it went for several years I couldn't stand it. They say it's all a lie and now and now it's coming down. Oh baby now”. “Mantengánse muy quietos porque las cosas extrañas están a punto de suceder. Cuando tenía diecisiete escuché que la cuenta regresiva empezaba lentamente. Por lo que fueron esos severos años que no pude soportar. Ellos dicen que es todo una mentira y ahora se viene todo abajo. Si ahora nena”.
jueves, 30 de octubre de 2008
"El Adrogué Después"
Los Reyes Del Falsete, Viva Elástico y Mármol R, encabezan el “Adrogue Después”, metamorfosis, del recordado “Adrogué Sound”, de los 90’.
Zona Sur, con base en Adrogué, y localidades aledañas, detenta la función de “ghetto” de manera positiva. En los 90’, teñidos de hedonismo e imágenes localistas surge el “Adrogué Sound”, de la mano de la Nueva Flor, (luego Victoria Mil), Copiloto Piloto, Paoletti, entre otros.
Devaluación monetaria mediante y consecuente decadencia cultural, la jactancia y presunción que escondían dichos tiempos, hoy resulta un total imposible.
El famoso slogan hedonista de los Victoria Mil “pierdan la plata, después tendrán mucha” de la canción “Esta Época”, parece quedar en la actualidad, totalmente fuera de contexto estético, musical y filosófico.
Desplazada la “anglofilia” de los 90’, como parámetro de construcción artística, las bandas que núclea actualmente dicho sector del conurbano, no le temen a lidiar con las contradicciones y virtudes de elaborar música desde un lugar periférico y tercer-mundista. Así, el “Adrogué Sound”, es sustituido por la denominación “Adrógue Después”, que sintetiza el fin de cosmovisiones haladas y egocéntricas de los 90’, y el inicio de canciones que narran historias de raíz más criolla y popular.
Los Reyes del Falsete, retrotraen el famoso “sixty A capella” de los años 60’, leyendo de manera personal, el manual de la ironía que acaparo a cierto sector de lo alternativo durante los 90’. Su lenguaje musical pareciera una especie de “infanticidio”, en dónde las imágenes retratadas, hablan de un mundo doméstico, proclive al fastidio, (“Me caes mal, realmente mal”,), enuncia la letra de “El Gran Cohete”, o la ironía, (“el pelo se cayo, la cara se cambio de forma” en “La Fiesta de la Forma”. Ellos, afirman la importancia de las vivencias en comunión con amigos y otras bandas al decir: “Existe una relación con Adrogué y las bandas, que no tiene que ver plenamente con lo musical, sino con todo lo demás, ya sean chicas, birras, salidas, etc”.
Mármol R oriundos de la localidad de Mármol y Viva Elástico provenientes de Longchamps, aparentan brindar imágenes de reencuentro con espacios e imágenes sentimentales, que recuerdan a los mejores tiempos del rock argentino de los años 80’, cuando lo importante era cantar canciones que retraten hechos y personas, parecidos a uno, y no el “yoísmo” atroz, de tiempos actuales. Si bien en ambas bandas, hay rastros de elocuente romanticismo, la búsqueda de imágenes de Mármol, es claramente purgatoria. Su música conjuga lo “tropical” con el recordado “Manchester” de los 80’, logrando un romanticismo puramente biológico y enérgico. Al hablar de su música cuentan que “nuestra forma de crear, esta muy relacionada con el deseo no concretado y la insatisfacción. Por ende, las minas que nos rebotaron, nos rebotan y nos rebotarán”. Como ejemplo de esto, vale la letra de “Así no se mata a un criollo”, cuya letra narra: “Y yo me volví, deprimido hacia el sur, y yo me volví angustiado y sin luz”.
Viva elástico por su parte, construye canciones que muestran cierta búsqueda de reconversión espiritual, por fuera del actual desenfreno carnal y posmoderno. Canciones como “Imágenes de Amor” o “Las Motos” que narra: “Después de tanto tiempo, vas a ver a la muchacha que te gusta tanto, juntos se deslizaran tomados de la mano, y al caminar verán que todo pasa rápido”, toman una veta filosófica de ensoñación casi “Hemingwayana”, (en referencia al escritor Ernest Hemingway), en dónde la desesperanza a la vez, genera marcos de retirada hacia un horizonte infinito de nuevas posibilidades. Alejandro Schuster, su líder y cantante, dice que “Si existe una idea de revolución, esta pasa por el hecho de escaparle a la masificación en todas sus formas, liberar sensaciones y derribar mitos”.
Fuera de todo pretencionismo estético o artístico, el desafío para esta nueva camada, pasaría por dejar a un lado, la timidez o “snobismo” que históricamente envolvió a todo lo que se deposite sobre los laterales del gusto popular. Así partiendo de su universo espiritual y artístico, la búsqueda debería pasar por lograr que su música termine siendo representativa de cualquier estrato social y doméstico, para terminar de superar el estancamiento que el “rock chabón”, depositó en el imaginario de los jóvenes argentinos en los últimos 15 años.
Bernardo Damián Dimanmenendez
Zona Sur, con base en Adrogué, y localidades aledañas, detenta la función de “ghetto” de manera positiva. En los 90’, teñidos de hedonismo e imágenes localistas surge el “Adrogué Sound”, de la mano de la Nueva Flor, (luego Victoria Mil), Copiloto Piloto, Paoletti, entre otros.
Devaluación monetaria mediante y consecuente decadencia cultural, la jactancia y presunción que escondían dichos tiempos, hoy resulta un total imposible.
El famoso slogan hedonista de los Victoria Mil “pierdan la plata, después tendrán mucha” de la canción “Esta Época”, parece quedar en la actualidad, totalmente fuera de contexto estético, musical y filosófico.
Desplazada la “anglofilia” de los 90’, como parámetro de construcción artística, las bandas que núclea actualmente dicho sector del conurbano, no le temen a lidiar con las contradicciones y virtudes de elaborar música desde un lugar periférico y tercer-mundista. Así, el “Adrogué Sound”, es sustituido por la denominación “Adrógue Después”, que sintetiza el fin de cosmovisiones haladas y egocéntricas de los 90’, y el inicio de canciones que narran historias de raíz más criolla y popular.
Los Reyes del Falsete, retrotraen el famoso “sixty A capella” de los años 60’, leyendo de manera personal, el manual de la ironía que acaparo a cierto sector de lo alternativo durante los 90’. Su lenguaje musical pareciera una especie de “infanticidio”, en dónde las imágenes retratadas, hablan de un mundo doméstico, proclive al fastidio, (“Me caes mal, realmente mal”,), enuncia la letra de “El Gran Cohete”, o la ironía, (“el pelo se cayo, la cara se cambio de forma” en “La Fiesta de la Forma”. Ellos, afirman la importancia de las vivencias en comunión con amigos y otras bandas al decir: “Existe una relación con Adrogué y las bandas, que no tiene que ver plenamente con lo musical, sino con todo lo demás, ya sean chicas, birras, salidas, etc”.
Mármol R oriundos de la localidad de Mármol y Viva Elástico provenientes de Longchamps, aparentan brindar imágenes de reencuentro con espacios e imágenes sentimentales, que recuerdan a los mejores tiempos del rock argentino de los años 80’, cuando lo importante era cantar canciones que retraten hechos y personas, parecidos a uno, y no el “yoísmo” atroz, de tiempos actuales. Si bien en ambas bandas, hay rastros de elocuente romanticismo, la búsqueda de imágenes de Mármol, es claramente purgatoria. Su música conjuga lo “tropical” con el recordado “Manchester” de los 80’, logrando un romanticismo puramente biológico y enérgico. Al hablar de su música cuentan que “nuestra forma de crear, esta muy relacionada con el deseo no concretado y la insatisfacción. Por ende, las minas que nos rebotaron, nos rebotan y nos rebotarán”. Como ejemplo de esto, vale la letra de “Así no se mata a un criollo”, cuya letra narra: “Y yo me volví, deprimido hacia el sur, y yo me volví angustiado y sin luz”.
Viva elástico por su parte, construye canciones que muestran cierta búsqueda de reconversión espiritual, por fuera del actual desenfreno carnal y posmoderno. Canciones como “Imágenes de Amor” o “Las Motos” que narra: “Después de tanto tiempo, vas a ver a la muchacha que te gusta tanto, juntos se deslizaran tomados de la mano, y al caminar verán que todo pasa rápido”, toman una veta filosófica de ensoñación casi “Hemingwayana”, (en referencia al escritor Ernest Hemingway), en dónde la desesperanza a la vez, genera marcos de retirada hacia un horizonte infinito de nuevas posibilidades. Alejandro Schuster, su líder y cantante, dice que “Si existe una idea de revolución, esta pasa por el hecho de escaparle a la masificación en todas sus formas, liberar sensaciones y derribar mitos”.
Fuera de todo pretencionismo estético o artístico, el desafío para esta nueva camada, pasaría por dejar a un lado, la timidez o “snobismo” que históricamente envolvió a todo lo que se deposite sobre los laterales del gusto popular. Así partiendo de su universo espiritual y artístico, la búsqueda debería pasar por lograr que su música termine siendo representativa de cualquier estrato social y doméstico, para terminar de superar el estancamiento que el “rock chabón”, depositó en el imaginario de los jóvenes argentinos en los últimos 15 años.
Bernardo Damián Dimanmenendez
Rock Emo Argentino: "Entre Disney y el Punk"
El rock históricamente funcionó como una expresión contracultural, caracterizada por el rechazo a normas y valores sociales establecidos. El exceso de información actual construye culturas virtuales, que buscando cierta insurgencia expresiva, terminan naufragando en el marketing de lo predecible.
“No me siento bien, hoy perdí la fe, la suerte juega con cartas sin marcar, no se puede cambiar” (Andrés Calamaro, “Cartas sin marcar”, 1988)
El rock Emo es heredero directo del hardcore norteamericano, de bandas como Husker Du, Embrance o Fugazi, hasta llegar a la actualidad, donde los referentes son My Chemical Romance o Fall Out Boy, entre otras.
El emo adopta la praxis estética y filosófica gótica con que el post punk intentó renovar el punk, con la diferencia que la virtualización actual de sus referencias y prácticas produce un efecto no tan creíble para sus reclamos.
En un país tercermundista, como Argentina, la cuestión del gusto y aceptación de modas nuevas siempre pareció chocar contra el arcaísmo del sabor tradicionalista y misógino.
Hoy en día, entre el exceso de información, la decadencia cultural, la gula de la violencia, los “emos” deambulan en Argentina, entre el mote de bichos raros, y el desconocimiento concreto, de cuál es, (¿si lo hay?), su reclamo expresivo.
El emo argentino, a diferencias de los orígenes de sus antecesores hippies, punks, darks o alternativos, no utiliza el espacio social terrestre como manera de imponer una moda. Son tiempos de Internet y “revolución de dormitorio”, por lo tanto, se dan a conocer a través de las redes sociales de fotologs y myspace.
Las primeros reuniones de emos, en nuestro país, datan de principios de década. Las mismas se sucedían en disquerías, como La Lupita ubicada en la galería Labond Street o Coffe Mug Records, del coqueto barrio de Belgrano. Sin embargo, la primera manifestación clara de de rock emo argentino tardo casi un lustro en aparecer. La misma puede deberse a la falta clara de diferenciación entre los patrones que hacen al punk teenager criollo y el mismo emo. Romeo Tragedy, es la primera banda a priori emo que logra cierto destaque dentro la escena. Oriundos de la localidad de Villa Ballester, y con una formación clásica para el rock, (dos guitarras, bajo y batería), sus estribillos siguen la línea de sus referentes anglosajones o norteamericanos.
Otras bandas como Sweater, han mutado del “scream emo” (el subgénero mas tajante del emo, a partir de sus letras suicidas y gritos desesperados), hacia el “emo progresivo”.
En la actualidad, dentro de la escena parecen destacar bandas como Jordan, Buzzer, ArdeHollywood, y los recientemente separados, My Wish. Todas estas bandas parecen marcar una metamorfosis de las originales, en relación a dejar de lado esos estribillos estridentemente anglófilos y reemplazarlos por temas cantados en el idioma local.
Los códigos la construcción del lenguaje de las bandas, busca tomar elementos geográficos que retraten un estado gélido y solitario interior, clásicos del pesimismo adolescente. Así, la mayoría de los nombres adoptados para las canciones varían entre “Dejame Solo”, “Ningún Desierto” o “Peces de Jabón”.
En síntesis, el rock emo argentino, parece desde su génesis, tomar a la tristeza como si fuera un “menú a la carta”, y no desde un profundo replanteo reflexivo y artístico.
El punk represento, más en la corporalidad que en lo musical, una manera de manifestar un profundo desencanto hacia el porvenir de las cosas. Los darks, por su parte, continuaron dicha línea, pero narrando desde los sonidos musicalizados un estado de abatimiento interior, sin necesidad de tanta gestualidad corporal. Luego el hardcore, en los 80’, busca una profunda catarsis a través de una idéntica explosividad enérgica en los cuerpos y acordes. Todos ellos lograban que el desencanto tenga cierta validez, al sostener sus actos en un nivel de contracultura expresiva que se movía en espacios reales, concretos y no virtuales.
Los emos, por su parte, hijos directos de la globalización y los cibernautas, si bien intentan manifestar un estado de cosas, numerosas veces (como les paso a los punks, los darks, y también el hardcore), parecieran no superar la dicotomía punk (necesidad expresiva visceral, fuera de toda norma o consecuencia) y la cultura disney (esa que vende felicidad y tristeza, como si se tratará de góndolas de piercings o tintura para uñas y cabellos), que hace de la tristeza un mero ejercicio mercadotécnico. En síntesis, en la dicotomía de enfilar hacia un lugar real expresivo o quedar anclado en la fetichización obsoleta, parecieran estar “las cartas a marcar”, de la música emo argentina actual.
Bernardo Damián Dimanmenendez
El rock Emo es heredero directo del hardcore norteamericano, de bandas como Husker Du, Embrance o Fugazi, hasta llegar a la actualidad, donde los referentes son My Chemical Romance o Fall Out Boy, entre otras.
El emo adopta la praxis estética y filosófica gótica con que el post punk intentó renovar el punk, con la diferencia que la virtualización actual de sus referencias y prácticas produce un efecto no tan creíble para sus reclamos.
En un país tercermundista, como Argentina, la cuestión del gusto y aceptación de modas nuevas siempre pareció chocar contra el arcaísmo del sabor tradicionalista y misógino.
Hoy en día, entre el exceso de información, la decadencia cultural, la gula de la violencia, los “emos” deambulan en Argentina, entre el mote de bichos raros, y el desconocimiento concreto, de cuál es, (¿si lo hay?), su reclamo expresivo.
El emo argentino, a diferencias de los orígenes de sus antecesores hippies, punks, darks o alternativos, no utiliza el espacio social terrestre como manera de imponer una moda. Son tiempos de Internet y “revolución de dormitorio”, por lo tanto, se dan a conocer a través de las redes sociales de fotologs y myspace.
Las primeros reuniones de emos, en nuestro país, datan de principios de década. Las mismas se sucedían en disquerías, como La Lupita ubicada en la galería Labond Street o Coffe Mug Records, del coqueto barrio de Belgrano. Sin embargo, la primera manifestación clara de de rock emo argentino tardo casi un lustro en aparecer. La misma puede deberse a la falta clara de diferenciación entre los patrones que hacen al punk teenager criollo y el mismo emo. Romeo Tragedy, es la primera banda a priori emo que logra cierto destaque dentro la escena. Oriundos de la localidad de Villa Ballester, y con una formación clásica para el rock, (dos guitarras, bajo y batería), sus estribillos siguen la línea de sus referentes anglosajones o norteamericanos.
Otras bandas como Sweater, han mutado del “scream emo” (el subgénero mas tajante del emo, a partir de sus letras suicidas y gritos desesperados), hacia el “emo progresivo”.
En la actualidad, dentro de la escena parecen destacar bandas como Jordan, Buzzer, ArdeHollywood, y los recientemente separados, My Wish. Todas estas bandas parecen marcar una metamorfosis de las originales, en relación a dejar de lado esos estribillos estridentemente anglófilos y reemplazarlos por temas cantados en el idioma local.
Los códigos la construcción del lenguaje de las bandas, busca tomar elementos geográficos que retraten un estado gélido y solitario interior, clásicos del pesimismo adolescente. Así, la mayoría de los nombres adoptados para las canciones varían entre “Dejame Solo”, “Ningún Desierto” o “Peces de Jabón”.
En síntesis, el rock emo argentino, parece desde su génesis, tomar a la tristeza como si fuera un “menú a la carta”, y no desde un profundo replanteo reflexivo y artístico.
El punk represento, más en la corporalidad que en lo musical, una manera de manifestar un profundo desencanto hacia el porvenir de las cosas. Los darks, por su parte, continuaron dicha línea, pero narrando desde los sonidos musicalizados un estado de abatimiento interior, sin necesidad de tanta gestualidad corporal. Luego el hardcore, en los 80’, busca una profunda catarsis a través de una idéntica explosividad enérgica en los cuerpos y acordes. Todos ellos lograban que el desencanto tenga cierta validez, al sostener sus actos en un nivel de contracultura expresiva que se movía en espacios reales, concretos y no virtuales.
Los emos, por su parte, hijos directos de la globalización y los cibernautas, si bien intentan manifestar un estado de cosas, numerosas veces (como les paso a los punks, los darks, y también el hardcore), parecieran no superar la dicotomía punk (necesidad expresiva visceral, fuera de toda norma o consecuencia) y la cultura disney (esa que vende felicidad y tristeza, como si se tratará de góndolas de piercings o tintura para uñas y cabellos), que hace de la tristeza un mero ejercicio mercadotécnico. En síntesis, en la dicotomía de enfilar hacia un lugar real expresivo o quedar anclado en la fetichización obsoleta, parecieran estar “las cartas a marcar”, de la música emo argentina actual.
Bernardo Damián Dimanmenendez
"Músicos en la radio"
“La Guerra del audio” y “Este asunto suena raro”, conducidos por músicos devenidos en periodistas, intentan a su modo, acercar de una manera más cabal al oyente con los músicos consagrados y emergentes.
La radio históricamente fue un lugar de búsqueda y devoción al mismo tiempo para los músicos. Ya sea como lugar donde sus canciones encuentren reconocimiento ajeno, como también para escuchar nuevas tendencias musicales.
En la actualidad la búsqueda de la radio por parte de los músicos, se ha modificado con la inserción laboral de muchos de ellos dentro de la misma, con la idea de analizar la música partiendo de su propio gusto y experiencias artísticas.
Como ejemplo de esto, podemos mencionar la labor de Dante Spinetta, en su programa “La Guerra Del audio” que se emite por la Rock&Pop en la madrugada de los sábados de 4 Am a 8 Am. Acompañado por su hermano Leeva como co-conductor, intenta mostrar la metamorfosis que sufrió el hip hop a nivel local, a partir de del auge de este género a nivel internacional.
Luego de los ridículos Sindicato Argentino del Hip Hop, que en su intento de difundir el género a nivel local, solo lograron conjugar burdas copias del mainstream norteamericano, artistas locales como Mustafa Yoda, o Frescolate logran hacer del “Freestyle”, algo más respetable y creíble para los adeptos argentinos de dicho género.
A la vez, la idea del programa, es poner todos los sábados, un tema de algún artista emergente del hip hop local, e intentar dar cuenta de la jerga que guarda el mismo, o festivales como la famosa “batalla de gallos”, dónde se elige anualmente al mejor MC argentino.
Así, se clarifica en parte, la lectura de un género de aceptación incipiente, que lejos de ser una expresión artística misógina u homofóbica, brinda la posibilidad de expresión más allá de la condición social o económica, siempre y cuando las rimas o versos, expresen situaciones o vivencias creíbles para el ámbito local.
“Este asunto suena raro”, es un programa que se emite todos los jueves de 22 a 24 hs, por FM La Tribu y es conducido por el ecléctico músico Lisandro Aristimuño, acompañado por “el chino” Santa Cruz.
Si bien, no parecieran hablarse de nuevas tendencias musicales a nivel local, la idea es salir de esa línea de respuestas para “cassette”, que suceden en la mayoría de los programas de rock, y ahondar en el imaginario de los músicos, que hace a la construcción de su identidad personal y su posterior formación como artista.
Dentro un ambiente intimista, que hace recordar a pasajes del primer Alejandro Dolina, el músico invitado al programa, tiene la libertad de elegir cinco temas favoritos y comentar el motivo de su selección. Además, surgen curiosidades o anécdotas que rompen la línea vertical de conductor-reporteado, transformándose muchas veces el músico invitado en inesperado conductor del programa.
La idea que parece sugerir “Este asunto suena raro”, es demistificar esa especie de respeto demagógico, que suele suceder cada vez que se reportea a reconocidos músicos nacionales, llámese Fito Paez o denomínese Vicentico, y mostrarlos como seres que en su cotidianidad detentan las mismas dudas existenciales que todos tenemos.
La idea del músico reventado por el exceso, que actuaba de manera cínica frente a la prensa pareciera ser una imagen, que por suerte, ha quedado en la alcoba de los recuerdos. Hoy en día, los mismos músicos cumplen funciones de prensa, con el objetivo de difundir los géneros que les apasionan o cotejarse con sus pares a través de entrevistas, que den cuenta de su ideología humana, más allá de su veta artística. Con los músicos insertados dentro de los medios de comunicación ¿estará Juan Carlos Badía pensando en empuñar la guitarra y tomar por asalto los escenarios?
Bernardo Damián Dimanmenendez
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La radio históricamente fue un lugar de búsqueda y devoción al mismo tiempo para los músicos. Ya sea como lugar donde sus canciones encuentren reconocimiento ajeno, como también para escuchar nuevas tendencias musicales.
En la actualidad la búsqueda de la radio por parte de los músicos, se ha modificado con la inserción laboral de muchos de ellos dentro de la misma, con la idea de analizar la música partiendo de su propio gusto y experiencias artísticas.
Como ejemplo de esto, podemos mencionar la labor de Dante Spinetta, en su programa “La Guerra Del audio” que se emite por la Rock&Pop en la madrugada de los sábados de 4 Am a 8 Am. Acompañado por su hermano Leeva como co-conductor, intenta mostrar la metamorfosis que sufrió el hip hop a nivel local, a partir de del auge de este género a nivel internacional.
Luego de los ridículos Sindicato Argentino del Hip Hop, que en su intento de difundir el género a nivel local, solo lograron conjugar burdas copias del mainstream norteamericano, artistas locales como Mustafa Yoda, o Frescolate logran hacer del “Freestyle”, algo más respetable y creíble para los adeptos argentinos de dicho género.
A la vez, la idea del programa, es poner todos los sábados, un tema de algún artista emergente del hip hop local, e intentar dar cuenta de la jerga que guarda el mismo, o festivales como la famosa “batalla de gallos”, dónde se elige anualmente al mejor MC argentino.
Así, se clarifica en parte, la lectura de un género de aceptación incipiente, que lejos de ser una expresión artística misógina u homofóbica, brinda la posibilidad de expresión más allá de la condición social o económica, siempre y cuando las rimas o versos, expresen situaciones o vivencias creíbles para el ámbito local.
“Este asunto suena raro”, es un programa que se emite todos los jueves de 22 a 24 hs, por FM La Tribu y es conducido por el ecléctico músico Lisandro Aristimuño, acompañado por “el chino” Santa Cruz.
Si bien, no parecieran hablarse de nuevas tendencias musicales a nivel local, la idea es salir de esa línea de respuestas para “cassette”, que suceden en la mayoría de los programas de rock, y ahondar en el imaginario de los músicos, que hace a la construcción de su identidad personal y su posterior formación como artista.
Dentro un ambiente intimista, que hace recordar a pasajes del primer Alejandro Dolina, el músico invitado al programa, tiene la libertad de elegir cinco temas favoritos y comentar el motivo de su selección. Además, surgen curiosidades o anécdotas que rompen la línea vertical de conductor-reporteado, transformándose muchas veces el músico invitado en inesperado conductor del programa.
La idea que parece sugerir “Este asunto suena raro”, es demistificar esa especie de respeto demagógico, que suele suceder cada vez que se reportea a reconocidos músicos nacionales, llámese Fito Paez o denomínese Vicentico, y mostrarlos como seres que en su cotidianidad detentan las mismas dudas existenciales que todos tenemos.
La idea del músico reventado por el exceso, que actuaba de manera cínica frente a la prensa pareciera ser una imagen, que por suerte, ha quedado en la alcoba de los recuerdos. Hoy en día, los mismos músicos cumplen funciones de prensa, con el objetivo de difundir los géneros que les apasionan o cotejarse con sus pares a través de entrevistas, que den cuenta de su ideología humana, más allá de su veta artística. Con los músicos insertados dentro de los medios de comunicación ¿estará Juan Carlos Badía pensando en empuñar la guitarra y tomar por asalto los escenarios?
Bernardo Damián Dimanmenendez
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miércoles, 29 de octubre de 2008
"Legados, ficciones y realidades"
Rusia y Abducidos, harán las respectivas presentaciones de sus discos, en el teatro el Cubo el martes 28.
“Toda Generación consciente o no, debe de manera simbólica y práctica aplastar a la otra, como manera de renovar el rock, y también los modos de entenderlo”(Malcon Mc Laren, 1977)
Han pasado más de 30 años, y las palabras de aquél maquiavélico y romántico a la vez, estratega del punk rock, parecen perderse en el muro de confort ideológico que marcó a la mayoría de los músicos de la generación de principio de siglo
Accidental de la agrupación Rusia y “Abducidos”, de la homónima agrupación, parecen en sus respectivos, discos darle un respeto a fórmulas, que para el rock actual, actualmente parecen superadas, y en consecuencia, añejas y gastadas.
Ambos despachan a partir de la génesis musical que los determina, (Folk.-pop-rock), en el caso de Rusia y (Space-sample-rock), en el caso de Abducidos, temas de un linaje correcto, pero que se apegan lírica, musical y filosóficamente, a conceptos musicales que listan de ser renovadores para la actual cultura rock, lapidada por la mercadotecnia artística y la ortodoxia estética.
En el caso de los quilmeños “Accidental”, las letras definen un universo, en dónde los riffs de guitarra, arreglos de teclados, y fraseos de bajo, se resumen en el transcurso temporal que va de la new-wave de fines de los 70’, pasando por el brit-indie de bandas como Ocean Colour Scene, hasta llegar al sonido Nueva York, de principios de la actual década. Sin embargo, el protocolo sonoro, solo parece hacer pie en temas como “No Molestes” o “Una Imagen no es lugar”. El resto de las canciones, parecen centrarse en tibias melodías Folk, o esquemáticos riffs de guitarra, que uno pareciera intuirlos antes de que los mismos se ejecuten. Las letras, hablan de cierta necesidad de insurgencia expresiva, como la letra de “Objetivo” que dice, “Vamos a ir directo al objetivo, no estamos dispuestos a escuchar tu opinión”, pero que luego se recuestan en la ya clásica meseta metafórica alternativa que se escucha en frases como “Superman ya te vi, creías en toda la institución de todo hombre que lucha” o “Gigantes flotamos hacia el cielo, deseo estallar”.
Oriundos de Castelar y Padua, Abducidos es un dueto actualmente compuesto por Marcelo Gómez y Federico Maqui. Se sitúan musicalmente en el sonidismo del sample, que acompaña a muchos amantes del kraut rock, y que hacen de los sintetizadores y las programaciones su mayor virtud.
El disco, suena homogéneo a nivel de concepto sonoro,(Daniel Melero colaboró en la pos producción), pero el efecto del mismo parece arrimarse a la vereda de la pose snobista, a partir de la constancia lírica por narrar situaciones abstractas de abatimiento que fueron sumamente retratadas por el “dream pop” y otros, a fines de los 80’. Las atmósferas musicales parecen conllevar milimétricamente esas pausas rítmicas, que hacen recordar a bandas como Resonantes, con la clara diferencia, que Flavio Etcheto y los suyos, constituían en aquellos “años dorados sónicos”, una plena “avant garde” filosófica, apoyados tanto en lo musical y estético.
Frases en temas como “Inconcluso”, “Sin previsiones, sin funciones, lo inconcluso gira a nuestro alrededor” o “Utopías” “No hay imaginación, nos da igual, tal vez”, suena hoy en día, más cliché que a certero reclamo artístico. Abducidos, retrata consciente o inconscientemente, un mundo artístico, que toma como padrinos musicales a unos “dietéticos” Babasónicos. Así su consecuente bajada de línea, parece responder más a un “sample artístico premeditado” que a una obra personal autárquica en dónde se proponga, un mundo personal y fresco, que brinde “aires nuevos” para el rock nacional.
A partir de lo mencionado parecieran surgir ciertas ideas:
1. Es un claro error pensar que el hi-fi, con el que trabajan muchas bandas, pueda solventarles la calidad musical de un disco, pues la imaginación siempre vale más que los medios.
2. El rock y los músicos que la integran deben entender, que entre el exceso de información (mp3,myspace, etc), hasta la asepticidad ideológica que promueven los sellos multinacionales o festivales auspiciados por gaseosas y celulares, la chance de integración o aceptación popular, es un gran engaño, en dónde querer ingresar a la fiesta, es salir a los segundos por la ventana del baño.
3. Todos los que integran el mundillo del rock (músicos, periodistas, organizadores, etc), deben empezar a comprender que la música hoy en día, por si sola no importa, sino esta sustentada por un compromiso pleno hacia la indagación personal, que los lleve a todos, a una catarsis artística y de profunda reflexión.
4. No se debe negar el pasado, pero tampoco se debe detentar la obligación de respetarlo de manera castrense al mismo, ya que sino, nos quedamos sin historias nuevas y emocionantes, para contar.
Bernardo Damián Dimanmenendez
“Toda Generación consciente o no, debe de manera simbólica y práctica aplastar a la otra, como manera de renovar el rock, y también los modos de entenderlo”(Malcon Mc Laren, 1977)
Han pasado más de 30 años, y las palabras de aquél maquiavélico y romántico a la vez, estratega del punk rock, parecen perderse en el muro de confort ideológico que marcó a la mayoría de los músicos de la generación de principio de siglo
Accidental de la agrupación Rusia y “Abducidos”, de la homónima agrupación, parecen en sus respectivos, discos darle un respeto a fórmulas, que para el rock actual, actualmente parecen superadas, y en consecuencia, añejas y gastadas.
Ambos despachan a partir de la génesis musical que los determina, (Folk.-pop-rock), en el caso de Rusia y (Space-sample-rock), en el caso de Abducidos, temas de un linaje correcto, pero que se apegan lírica, musical y filosóficamente, a conceptos musicales que listan de ser renovadores para la actual cultura rock, lapidada por la mercadotecnia artística y la ortodoxia estética.
En el caso de los quilmeños “Accidental”, las letras definen un universo, en dónde los riffs de guitarra, arreglos de teclados, y fraseos de bajo, se resumen en el transcurso temporal que va de la new-wave de fines de los 70’, pasando por el brit-indie de bandas como Ocean Colour Scene, hasta llegar al sonido Nueva York, de principios de la actual década. Sin embargo, el protocolo sonoro, solo parece hacer pie en temas como “No Molestes” o “Una Imagen no es lugar”. El resto de las canciones, parecen centrarse en tibias melodías Folk, o esquemáticos riffs de guitarra, que uno pareciera intuirlos antes de que los mismos se ejecuten. Las letras, hablan de cierta necesidad de insurgencia expresiva, como la letra de “Objetivo” que dice, “Vamos a ir directo al objetivo, no estamos dispuestos a escuchar tu opinión”, pero que luego se recuestan en la ya clásica meseta metafórica alternativa que se escucha en frases como “Superman ya te vi, creías en toda la institución de todo hombre que lucha” o “Gigantes flotamos hacia el cielo, deseo estallar”.
Oriundos de Castelar y Padua, Abducidos es un dueto actualmente compuesto por Marcelo Gómez y Federico Maqui. Se sitúan musicalmente en el sonidismo del sample, que acompaña a muchos amantes del kraut rock, y que hacen de los sintetizadores y las programaciones su mayor virtud.
El disco, suena homogéneo a nivel de concepto sonoro,(Daniel Melero colaboró en la pos producción), pero el efecto del mismo parece arrimarse a la vereda de la pose snobista, a partir de la constancia lírica por narrar situaciones abstractas de abatimiento que fueron sumamente retratadas por el “dream pop” y otros, a fines de los 80’. Las atmósferas musicales parecen conllevar milimétricamente esas pausas rítmicas, que hacen recordar a bandas como Resonantes, con la clara diferencia, que Flavio Etcheto y los suyos, constituían en aquellos “años dorados sónicos”, una plena “avant garde” filosófica, apoyados tanto en lo musical y estético.
Frases en temas como “Inconcluso”, “Sin previsiones, sin funciones, lo inconcluso gira a nuestro alrededor” o “Utopías” “No hay imaginación, nos da igual, tal vez”, suena hoy en día, más cliché que a certero reclamo artístico. Abducidos, retrata consciente o inconscientemente, un mundo artístico, que toma como padrinos musicales a unos “dietéticos” Babasónicos. Así su consecuente bajada de línea, parece responder más a un “sample artístico premeditado” que a una obra personal autárquica en dónde se proponga, un mundo personal y fresco, que brinde “aires nuevos” para el rock nacional.
A partir de lo mencionado parecieran surgir ciertas ideas:
1. Es un claro error pensar que el hi-fi, con el que trabajan muchas bandas, pueda solventarles la calidad musical de un disco, pues la imaginación siempre vale más que los medios.
2. El rock y los músicos que la integran deben entender, que entre el exceso de información (mp3,myspace, etc), hasta la asepticidad ideológica que promueven los sellos multinacionales o festivales auspiciados por gaseosas y celulares, la chance de integración o aceptación popular, es un gran engaño, en dónde querer ingresar a la fiesta, es salir a los segundos por la ventana del baño.
3. Todos los que integran el mundillo del rock (músicos, periodistas, organizadores, etc), deben empezar a comprender que la música hoy en día, por si sola no importa, sino esta sustentada por un compromiso pleno hacia la indagación personal, que los lleve a todos, a una catarsis artística y de profunda reflexión.
4. No se debe negar el pasado, pero tampoco se debe detentar la obligación de respetarlo de manera castrense al mismo, ya que sino, nos quedamos sin historias nuevas y emocionantes, para contar.
Bernardo Damián Dimanmenendez
10 años del Movimiento de Obreros Psicodélicos
A punto de cumplir 10 años, los Dchampions terminaron de grabar su próximo albúm titulado “La Fe”.
El amor es una especie de religión posmoderna individualizada que nos convierte en protagonistas de nuestra propia novela, y que logra transportarnos a una dimensión sagrada, alejada de la gris cotidianidad de nuestra vida. Nos sirve, de algún modo, como un dispositivo para escapar de la realidad, análoga a los deportes de riesgo, las drogas y la fiesta.
A punto de cumplir 10 años como banda, y superando todo tipo de avatares, los Dchampions, de la mano de Santiago Rial, han sabido captar la esencia del barrio, la urbanidad y el “soul” trágico y alegre, que enmarca al mismo, de manera fina y personal.
Demasiados urbanos para la camada alternativa de los 90’ y demasiados blandos para la camada de rock barrial de dichos tiempos, los Dchampions navegaron a lo largo de su historia, condenados a una injusta oscuridad de parte de sus pares musicales y escuchas del under.
Santiago Rial habla de sus inicios y dice: “Luego de desarmar Perdedores Pop, decidí armar los Dchampions. El origen del nombre no tiene nada que ver con que fui un campeón de la vida o algo parecido, sino que a lo largo, de toda mi existencia pelee por mantenerme en forma, ya sea desde mi proyecto musical, hasta en mi modo de relacionarme con las personas”.
Con solo un disco editado, “Para las Chicas” (2006), y numerosas gemas guardadas sin editar como, “Radio Champion”, “La Estética del matrimonio”, o “Free Pop” (editado solo virtualmente por Mandarina Records), las canciones elaboradas, se enmarcan en la musicalidad “slowcore” de bandas como Galaxie 500 o American Music Club, pero desarrolladas y trabajadas al ritmo del pulso trágico y caliente latinoamericano.
Canciones como “Alta Onda”, “Virgen de Monserrat”, “La Chica más linda de Adrogué” o “Invasión Divina”, lo delatan como un perfecto “voyeaur” de los comportamientos histéricos femeninos, a los cuáles retrata mediante visiones anárquicas y personales.
El mismo alega: “Uno escribe canciones de todo tipo, pero quieras o no, la mujer es lo más lindo que se inventó. Entonces es una obviedad que se me generen imágenes en mi cabeza sobre las experiencias que tuve con el sexo opuesto, y que como resultado de todo eso salgan canciones, que hablan de la mujer, pero no de manera sexista, sino como un elemento revolucionario, que rompe con la continuidad de la rutina, ya sea para bien o para mal”.
Utilizando al amor, desde un sentido fugaz y heroico, los Dchampions de la mano de Santiago Rial, construyen su dispositivo artístico para paliar la monotonía diaria, (recordar frases de sus canciones como “La calle esta dura, hasta que te para Paula y te saluda”. Así se convierten en narradores anónimos de voces, personajes, fetiches y tertulias del barrio, que pese a los excesos y el velocímetro posmoderno, aún siguen pasando delante de nuestras miradas.
La espiritualidad de su música pone nuevamente en comunión la relación banda de rock- vecindad, (como sucedía en los 70’, con Almendra o Manal), a partir de mitificar todos los elementos y personas que forman parte del mismo, sin necesidad de caer en los excesos de la cultura barrial que acuño el rock chabón con su slogan impune “Vamos los pibes”,
Así, en el “neo-romanticismo” de su mirada sobre las cosas, acabaron de grabar su último disco, titulado la “Fe”, del cuál comentan que “La Fe, resulta un disco más misterioso, y menos expuesto que “Para las Chicas”. Hay cuestiones que se superponen como lo religioso en el tema “San Cayetano” o lo celebratorio de la fiesta como “Rarísimo”. No es que sea menos “up”, sino que intensifica esa atmósfera de sugestión apasionada con las cuáles retratamos muchas de las cosas con las cuáles convivimos e inconscientemente nos marcan, sean mujeres, vecinos, amigos o desconocidos”.
Con la sobredosis actual de fórmulas tendientes a repetir el valioso legado de Andrés Calamaro sobre mujeres, excesos y tics criollos, los Dchampions partiendo de visiones ensoñadoras que nutren el empedrado y la vereda de cada barrio, representan todo un ejemplo de cómo la “jaqueca” e impotencia diaria que atraviesan nuestros corazones, puede ser narrada con autenticidad y elegancia, fuera de toda bandera o filosofía musical, que dicta el “mainstream” actual.
Bernardo Damián Dimanmenendez
El amor es una especie de religión posmoderna individualizada que nos convierte en protagonistas de nuestra propia novela, y que logra transportarnos a una dimensión sagrada, alejada de la gris cotidianidad de nuestra vida. Nos sirve, de algún modo, como un dispositivo para escapar de la realidad, análoga a los deportes de riesgo, las drogas y la fiesta.
A punto de cumplir 10 años como banda, y superando todo tipo de avatares, los Dchampions, de la mano de Santiago Rial, han sabido captar la esencia del barrio, la urbanidad y el “soul” trágico y alegre, que enmarca al mismo, de manera fina y personal.
Demasiados urbanos para la camada alternativa de los 90’ y demasiados blandos para la camada de rock barrial de dichos tiempos, los Dchampions navegaron a lo largo de su historia, condenados a una injusta oscuridad de parte de sus pares musicales y escuchas del under.
Santiago Rial habla de sus inicios y dice: “Luego de desarmar Perdedores Pop, decidí armar los Dchampions. El origen del nombre no tiene nada que ver con que fui un campeón de la vida o algo parecido, sino que a lo largo, de toda mi existencia pelee por mantenerme en forma, ya sea desde mi proyecto musical, hasta en mi modo de relacionarme con las personas”.
Con solo un disco editado, “Para las Chicas” (2006), y numerosas gemas guardadas sin editar como, “Radio Champion”, “La Estética del matrimonio”, o “Free Pop” (editado solo virtualmente por Mandarina Records), las canciones elaboradas, se enmarcan en la musicalidad “slowcore” de bandas como Galaxie 500 o American Music Club, pero desarrolladas y trabajadas al ritmo del pulso trágico y caliente latinoamericano.
Canciones como “Alta Onda”, “Virgen de Monserrat”, “La Chica más linda de Adrogué” o “Invasión Divina”, lo delatan como un perfecto “voyeaur” de los comportamientos histéricos femeninos, a los cuáles retrata mediante visiones anárquicas y personales.
El mismo alega: “Uno escribe canciones de todo tipo, pero quieras o no, la mujer es lo más lindo que se inventó. Entonces es una obviedad que se me generen imágenes en mi cabeza sobre las experiencias que tuve con el sexo opuesto, y que como resultado de todo eso salgan canciones, que hablan de la mujer, pero no de manera sexista, sino como un elemento revolucionario, que rompe con la continuidad de la rutina, ya sea para bien o para mal”.
Utilizando al amor, desde un sentido fugaz y heroico, los Dchampions de la mano de Santiago Rial, construyen su dispositivo artístico para paliar la monotonía diaria, (recordar frases de sus canciones como “La calle esta dura, hasta que te para Paula y te saluda”. Así se convierten en narradores anónimos de voces, personajes, fetiches y tertulias del barrio, que pese a los excesos y el velocímetro posmoderno, aún siguen pasando delante de nuestras miradas.
La espiritualidad de su música pone nuevamente en comunión la relación banda de rock- vecindad, (como sucedía en los 70’, con Almendra o Manal), a partir de mitificar todos los elementos y personas que forman parte del mismo, sin necesidad de caer en los excesos de la cultura barrial que acuño el rock chabón con su slogan impune “Vamos los pibes”,
Así, en el “neo-romanticismo” de su mirada sobre las cosas, acabaron de grabar su último disco, titulado la “Fe”, del cuál comentan que “La Fe, resulta un disco más misterioso, y menos expuesto que “Para las Chicas”. Hay cuestiones que se superponen como lo religioso en el tema “San Cayetano” o lo celebratorio de la fiesta como “Rarísimo”. No es que sea menos “up”, sino que intensifica esa atmósfera de sugestión apasionada con las cuáles retratamos muchas de las cosas con las cuáles convivimos e inconscientemente nos marcan, sean mujeres, vecinos, amigos o desconocidos”.
Con la sobredosis actual de fórmulas tendientes a repetir el valioso legado de Andrés Calamaro sobre mujeres, excesos y tics criollos, los Dchampions partiendo de visiones ensoñadoras que nutren el empedrado y la vereda de cada barrio, representan todo un ejemplo de cómo la “jaqueca” e impotencia diaria que atraviesan nuestros corazones, puede ser narrada con autenticidad y elegancia, fuera de toda bandera o filosofía musical, que dicta el “mainstream” actual.
Bernardo Damián Dimanmenendez
martes, 28 de octubre de 2008
"Retros y estetas"
Banda de Turistas, editó “Mágico Corazón Radiofónico”, quizá uno de los discos debut más esperados de los últimos tiempos del under local.
En el rock, siempre hubo tres cosas que hicieron que una banda llegue a los primeros planos: El magnetismo estético de sus integrantes, un buen corte de pelo y obvio lo mas importante, buenas canciones.
Producido por Tuta Torres y los mismos Banda de Turistas, el disco fue mezclado por Mario Caldato jr, (productor de Beastie Boys, entre otros), en tierras norteamericanas.
“Mágico Corazón Radiofónico”, consagra la buena lectura del manual del esteticismo en la música (ese que en el plano local va de Los Gatos a los primeros Babasónicos), y trae bajo el brazo, canciones de raíz retro pero que pueden celebrarse en el presente.
Ya desde el primer tema, “La Máquina Favorita”, y arropados en una lisergia beat, dónde los arreglos de voces, guitarras y batería, otorgan esa sensación de densidad, caos y algarabía a la vez, que hace al magma de la música psicodélica y su geometría de composición.
Llevado a un plano más festivo, y moog mediante, aparece uno de las canciones más celebradas del disco: “Un Verdadero Cajón de Madera”, resuelto por la agradable melodía de voz y guitarras (Luis Balcarce y Tomás Putruelle), más algún que otro chispazo de sintetizadores.
Bruno Albano, bajista y vocalista en la mayoría de los temas, narra desde un lado narcisista, sus experiencias de juventud, decorando estas con alguna que otra referencia al sol o elementos naturistas, como brisas, hojas y árboles. Así, delinea una cosmovisión que tanto trabajo la generación de los 60’, pero trayendo mañas de los tiempos actuales.
Como ejemplo de esto “La Máquina Favorita” narra: “Su odio matutino, su segundo nombre, y algún sueño vencido, lo acompaño muy bien” o en “Sueño O”, que dice: “Y luego creí ser el hijo del Sol, y le juré y regale el día de hoy. El me nombró dueño de toda flor”.
Dentro del panorama musical de “cancionata beat” matizada con atmósferas lisérgicas, también hay momentos para retrotraer algo del “kraut” de su primer ep “Cóctel de Instantáneo” (dónde muestran la influencia de bandas alemanas como Cluster o Neu!), a partir del tempo “motorik” de la batería y el bajo, como aparenta ser el instrumental, “El asombroso Misterio de la No Materia”.
Ese resabio de densidad musical, pero llevado a un plano más uniforme partiendo de melodías más gratas para el oyente, produce quizá los dos puntos más altos del disco como la antes mencionada “Sueño O” o “Mágico Corazón Radiofónico”, donde el narcisismo lírico suena un poco más áspero, bien logrado también por los arreglos de guitarras, que resuelve el tema con esos punteos que parecen extraídos de películas de “spaguetti western” dirigidas por Sergio Leone. Así, entre el clima apacible y alucinógeno del tema, el narcisismo lírico de Bruno Albano, adopta una postura más pícara que se sintetiza en la parte que dice: “Una chica distinta a la que soy yo, me explica algo de su interpretación y mi estadía en su habitación”.
Más allá, de algún que otro exceso de forzada madurez, como resulta la letra de “Todo Mío el Otoño”, (“Yo Creo que necesitas alguien que te aterrice el vuelo”), que pareciera ir a contramano de esas visiones personales y narcisistas, narradas en la mayorías de los temas.
Sin embargo y pese a esto, Banda de Turistas en su primera expedición sonora discográfica, parece arribar a buen puerto a partir del caudal para componer canciones agradables para el oyente, sin necesidad de recaer en parámetros excesivamente fetichistas o cómodos como suele suceder con la mayoría de las bandas de hoy, sean “indies” o populares. ¿Será “Mágico Corazón Radiofónico” una buena y definitiva lección para entender que la música es mucho más por si misma, que un buen corte de pelo y ropa llamativa?
Bernardo Damián Dimanmenendez
En el rock, siempre hubo tres cosas que hicieron que una banda llegue a los primeros planos: El magnetismo estético de sus integrantes, un buen corte de pelo y obvio lo mas importante, buenas canciones.
Producido por Tuta Torres y los mismos Banda de Turistas, el disco fue mezclado por Mario Caldato jr, (productor de Beastie Boys, entre otros), en tierras norteamericanas.
“Mágico Corazón Radiofónico”, consagra la buena lectura del manual del esteticismo en la música (ese que en el plano local va de Los Gatos a los primeros Babasónicos), y trae bajo el brazo, canciones de raíz retro pero que pueden celebrarse en el presente.
Ya desde el primer tema, “La Máquina Favorita”, y arropados en una lisergia beat, dónde los arreglos de voces, guitarras y batería, otorgan esa sensación de densidad, caos y algarabía a la vez, que hace al magma de la música psicodélica y su geometría de composición.
Llevado a un plano más festivo, y moog mediante, aparece uno de las canciones más celebradas del disco: “Un Verdadero Cajón de Madera”, resuelto por la agradable melodía de voz y guitarras (Luis Balcarce y Tomás Putruelle), más algún que otro chispazo de sintetizadores.
Bruno Albano, bajista y vocalista en la mayoría de los temas, narra desde un lado narcisista, sus experiencias de juventud, decorando estas con alguna que otra referencia al sol o elementos naturistas, como brisas, hojas y árboles. Así, delinea una cosmovisión que tanto trabajo la generación de los 60’, pero trayendo mañas de los tiempos actuales.
Como ejemplo de esto “La Máquina Favorita” narra: “Su odio matutino, su segundo nombre, y algún sueño vencido, lo acompaño muy bien” o en “Sueño O”, que dice: “Y luego creí ser el hijo del Sol, y le juré y regale el día de hoy. El me nombró dueño de toda flor”.
Dentro del panorama musical de “cancionata beat” matizada con atmósferas lisérgicas, también hay momentos para retrotraer algo del “kraut” de su primer ep “Cóctel de Instantáneo” (dónde muestran la influencia de bandas alemanas como Cluster o Neu!), a partir del tempo “motorik” de la batería y el bajo, como aparenta ser el instrumental, “El asombroso Misterio de la No Materia”.
Ese resabio de densidad musical, pero llevado a un plano más uniforme partiendo de melodías más gratas para el oyente, produce quizá los dos puntos más altos del disco como la antes mencionada “Sueño O” o “Mágico Corazón Radiofónico”, donde el narcisismo lírico suena un poco más áspero, bien logrado también por los arreglos de guitarras, que resuelve el tema con esos punteos que parecen extraídos de películas de “spaguetti western” dirigidas por Sergio Leone. Así, entre el clima apacible y alucinógeno del tema, el narcisismo lírico de Bruno Albano, adopta una postura más pícara que se sintetiza en la parte que dice: “Una chica distinta a la que soy yo, me explica algo de su interpretación y mi estadía en su habitación”.
Más allá, de algún que otro exceso de forzada madurez, como resulta la letra de “Todo Mío el Otoño”, (“Yo Creo que necesitas alguien que te aterrice el vuelo”), que pareciera ir a contramano de esas visiones personales y narcisistas, narradas en la mayorías de los temas.
Sin embargo y pese a esto, Banda de Turistas en su primera expedición sonora discográfica, parece arribar a buen puerto a partir del caudal para componer canciones agradables para el oyente, sin necesidad de recaer en parámetros excesivamente fetichistas o cómodos como suele suceder con la mayoría de las bandas de hoy, sean “indies” o populares. ¿Será “Mágico Corazón Radiofónico” una buena y definitiva lección para entender que la música es mucho más por si misma, que un buen corte de pelo y ropa llamativa?
Bernardo Damián Dimanmenendez
martes, 30 de septiembre de 2008
"Tangueros Cósmicos"
Poseedores de una música que mezcla la desolación cotidiana, con la fantasía que fluye por nuestras mentes, Prietto viaja al Cosmos con Mariano, emprenden su vuelo rumbo a tierras mexicanas, dónde serán soportes de Cansei de Ser Sexy, en el DF.
El sueño roto y el viaje más allá del inconsciente como almohada frente al dolor, pareciera ser las dos herramientas fundamentales con las que Maxi y Mariano, construyen la identidad artística de su banda.
Luego de sacar su último Ep (titulado homónimamente), y a partir de temas como “Verano Fatal” y “Avenida Corrientes”, las historias tangueras que narraban estados de insatisfacción permanente parecieran actualizarse en las letras de Maxi Prietto.
Por otro lado, no es un bandoneón, como ocurre con el tango, el que acompaña las historias, sino una guitarra y batería, que se mueven dentro de un espectro artístico escapista. Así, en la fuga, aparecen descripciones urbanas, simples y profundas a la vez, como narra Avenida Corrientes: “Noche de sábado en capital, fui a enterrar lo que seré, caminando por corrientes los tontos se mordían los dientes, y yo en soledad”. El día y la calle del festejo típico argentino, narrado desde el otro lado. El de la soledad, el desamor y la congoja por no poder ser parte de la fiesta. Las miradas urbanas de Maxi, actualizan las visiones que Manal, realizó con “Avenida Rivadavia”. Ya no hay felicidad hippie, “ni tiempo para “dormir al amanecer” como narró Cerati en los 80’, sino una voraz incomunicación que describe la profunda desolación posmoderna.
Respecto a la Ciudad como lugar de hábitat y fuente de inspiración Maxi cuenta: “Las letras no son buscadas, ni pensadas. Avenida Corrientes, la escribí en 5 minutos apenas cerré la puerta de mi casa. Lo que esta en los ojos influye y obviamente de algún modo eso se nota en la música. A la vez, que no es lo mismo, la ciudad para un pibe de 20 años, en los 70’ u 80’, que hoy en día.”
El tango reflexionó mucho acerca del paso del tiempo, esa mirada desgarradora sobre el paso del tiempo y el efecto destructivo que genera sobre las relaciones, las cosas o la vida misma, es claramente apropiada por Maxi, como manera de manifestar cierta impotencia contextual y expresar el “dolor de ya no ser”. Un ejemplo de esto podría ser la letra de “Verano Fatal”: “Los días duraban años, las noches duraban siglos, entre tus gritos y el mar, fue un verano fatal, con las resacas y borracheras, y yo me enamore de vos” o en quizá uno de los mejores temas de la banda denominado, “Divagando en el Salón Cosmico” que contiene la contundente frase: “Ahora me drogo con gente que no conozco, ni soporto, ahora me drogo pero no con vos”.
A la vez, la música que acompaña las letras, se construye a partir de un cierto “vuelo natural instrumental” de los dos músicos, sin que allá alguna forma astronómica predeterminada en sus sonidos. Esto se diferencia claramente, en la manera que tenía de cotejar sus miedos e inseguridades la vieja guardia de sónica de los 90’, en dónde constantemente se hacía referencia a geometrías surrealistas, “Cabeza de medusa, su boca es invisible” o superficies etéreas, “Yo siempre pude ver un mundo en que no estoy, son pájaros de miel”.
La transición que uno escucha en los escapes musicales de la música de Maxi y Mariano se acompaña de balbuceos que no representan ningún idioma, ni tampoco ponen en juego, situaciones o personas descriptibles, sino solo su cosmovisión personal, como manera de auto escape de ellos mismos y la realidad que la rodea.
En síntesis, entre la crudeza de la realidad, y la fantasía de elevarse a través de su música, Prietto viaja al Cosmos con Mariano, parecen comandantes de una nave musical que planea por terrenos musicales que podrían ser una suerte de “tango espacial”, renovando con sensible picardía, los parámetros para abordar al rock y tomando como musa inspiradora al arrabal de la vida misma.
Bernardo Damián Dimanmenendez
El sueño roto y el viaje más allá del inconsciente como almohada frente al dolor, pareciera ser las dos herramientas fundamentales con las que Maxi y Mariano, construyen la identidad artística de su banda.
Luego de sacar su último Ep (titulado homónimamente), y a partir de temas como “Verano Fatal” y “Avenida Corrientes”, las historias tangueras que narraban estados de insatisfacción permanente parecieran actualizarse en las letras de Maxi Prietto.
Por otro lado, no es un bandoneón, como ocurre con el tango, el que acompaña las historias, sino una guitarra y batería, que se mueven dentro de un espectro artístico escapista. Así, en la fuga, aparecen descripciones urbanas, simples y profundas a la vez, como narra Avenida Corrientes: “Noche de sábado en capital, fui a enterrar lo que seré, caminando por corrientes los tontos se mordían los dientes, y yo en soledad”. El día y la calle del festejo típico argentino, narrado desde el otro lado. El de la soledad, el desamor y la congoja por no poder ser parte de la fiesta. Las miradas urbanas de Maxi, actualizan las visiones que Manal, realizó con “Avenida Rivadavia”. Ya no hay felicidad hippie, “ni tiempo para “dormir al amanecer” como narró Cerati en los 80’, sino una voraz incomunicación que describe la profunda desolación posmoderna.
Respecto a la Ciudad como lugar de hábitat y fuente de inspiración Maxi cuenta: “Las letras no son buscadas, ni pensadas. Avenida Corrientes, la escribí en 5 minutos apenas cerré la puerta de mi casa. Lo que esta en los ojos influye y obviamente de algún modo eso se nota en la música. A la vez, que no es lo mismo, la ciudad para un pibe de 20 años, en los 70’ u 80’, que hoy en día.”
El tango reflexionó mucho acerca del paso del tiempo, esa mirada desgarradora sobre el paso del tiempo y el efecto destructivo que genera sobre las relaciones, las cosas o la vida misma, es claramente apropiada por Maxi, como manera de manifestar cierta impotencia contextual y expresar el “dolor de ya no ser”. Un ejemplo de esto podría ser la letra de “Verano Fatal”: “Los días duraban años, las noches duraban siglos, entre tus gritos y el mar, fue un verano fatal, con las resacas y borracheras, y yo me enamore de vos” o en quizá uno de los mejores temas de la banda denominado, “Divagando en el Salón Cosmico” que contiene la contundente frase: “Ahora me drogo con gente que no conozco, ni soporto, ahora me drogo pero no con vos”.
A la vez, la música que acompaña las letras, se construye a partir de un cierto “vuelo natural instrumental” de los dos músicos, sin que allá alguna forma astronómica predeterminada en sus sonidos. Esto se diferencia claramente, en la manera que tenía de cotejar sus miedos e inseguridades la vieja guardia de sónica de los 90’, en dónde constantemente se hacía referencia a geometrías surrealistas, “Cabeza de medusa, su boca es invisible” o superficies etéreas, “Yo siempre pude ver un mundo en que no estoy, son pájaros de miel”.
La transición que uno escucha en los escapes musicales de la música de Maxi y Mariano se acompaña de balbuceos que no representan ningún idioma, ni tampoco ponen en juego, situaciones o personas descriptibles, sino solo su cosmovisión personal, como manera de auto escape de ellos mismos y la realidad que la rodea.
En síntesis, entre la crudeza de la realidad, y la fantasía de elevarse a través de su música, Prietto viaja al Cosmos con Mariano, parecen comandantes de una nave musical que planea por terrenos musicales que podrían ser una suerte de “tango espacial”, renovando con sensible picardía, los parámetros para abordar al rock y tomando como musa inspiradora al arrabal de la vida misma.
Bernardo Damián Dimanmenendez
"Himnos musicales para la juventud"
El Mato a un Policía Motorizado, comenta como fue su evolución musical desde su inicios a la actualidad y sus opiniones acerca del estado actual de la escena under.
Hacia el 2003, la escena del rock local, se encontraba frente a interrogantes de acción de todo tipo. Por un lado, la transición de los grupos del nuevo rock sónico había quedado definitivamente truncada. Por otro, la nueva generación musical no podía enhebrar parámetros de construcción artística para lograr arrimar su música a niveles medianamente populares.
Así, el indie-rock, veía como su exceso de languidez, era aprovechado por el rock barrial, de manera contundente y diversas bandas se ponían al frente de un exceso sin retorno que llevaría al ya consabido fatal desastre de Crogmañon del año 2004.
El mato a un policía motorizado, utiliza un lenguaje musical indie, pero enfocado plenamente hacia lo emocional de las canciones, esas que agitan brazos y aceleran la sangre de los corazones.
A casi un lustro de la formación de la banda, afirman que la principal evolución fue “conocer una especie de espíritu central que nos une, y que a la hora de componer o tocar en vivo hace que todo sea más productivo, armonioso y divertido”.
Con la edición de “Navidad de Reserva”, (continuada luego con “Un Millón de Euros”) iniciaron una trilogía musical que habla sobre el nacimiento, la vida y la muerte. En vistas del esperado cierre de la misma anticipan el título de su próximo disco, denominado “Día de los Muertos” y nos comentan como surgió la idea y cuál es el concepto central que atraviesa dicha trilogía musical. “La idea nace de querer hacer discos con personalidad, que el álbum sea en si una obra, con cierta armonía en el concepto principal. Lo primero que salió fue la idea de un disco de navidad, yo estaba escuchando bastante Elvis y Beach Boys, y veía como en una época era un recurso comercial casi obligatorio. A la vez, readaptamos la idea de esos tiempos al contexto actual con una estética mas argentina, de calor, decadencia y amor violento”.
En relación a la manera en que han logrado reconvertir esa idea de abatimiento que agrupaba a la escena indie en los 90’, logrando que su música logre arrimarse al gusto masivo y popular, sin caer en el chauvinismo, su líder Santiago Motorizado alega: “No recuerdo mucho, porque era mas joven y mi memoria es mala. Creo que en los 90’s Radiohead, gran banda de la cual era muy fan, marcó a muchos y seguramente la tristeza que sentía Tom Yorke, contagió a todos, pero después de llorar mucho en el pecho aparece un poco de alegría de contraste, que es la mejor, y entonces te dan ganas de salir a festejar con los pibes”.
Intentando encontrar el hasta ahora imposible punto “G” del rock, ese que haga unir el gusto del público por las bandas “maisntream” del rock argentino con bandas de la nueva escena, opinan al respecto: “Quizás en el pop mas puro, hay similitud, en el rock no lo veo. Quizá Babasónicos, a pesar de estar cada vez más súper prolijos, mantengan en sus canciones un poco de espíritu juvenil y rock indie. Más allá del under o no under, hay gente que hace un arte hermoso y genial. Uno por ejemplo va al Club Alumni, un sábado a la madrugada y ve algo bueno en serio como Viva Elástico, Los Reyes del falsete, Marmol R, Minicomponente, 107 Faunos o Prietto, que separan claramente las estupideces que te pasan por los canales de música”
En síntesis, El Mato a un policía Motorizado marca varias pautas de redescubrimiento artístico para el rock argentino (como el Kraut-rock), y arenga a toda una generación joven a construir musicalmente fuera de todo cliché anglosajón que históricamente tiño al rock local y quizá lo mas importante :
La sensación de que es posible formar una banda con amigos, y hacer de la misma un producto artístico personal y sumamente valioso, que marqué toda una era. Algo que los fanáticos de la música como ellos, anónimos o yo personalmente, siempre anhelamos y soñamos desde chicos.
Bernardo Damián Dimanmenendez
Hacia el 2003, la escena del rock local, se encontraba frente a interrogantes de acción de todo tipo. Por un lado, la transición de los grupos del nuevo rock sónico había quedado definitivamente truncada. Por otro, la nueva generación musical no podía enhebrar parámetros de construcción artística para lograr arrimar su música a niveles medianamente populares.
Así, el indie-rock, veía como su exceso de languidez, era aprovechado por el rock barrial, de manera contundente y diversas bandas se ponían al frente de un exceso sin retorno que llevaría al ya consabido fatal desastre de Crogmañon del año 2004.
El mato a un policía motorizado, utiliza un lenguaje musical indie, pero enfocado plenamente hacia lo emocional de las canciones, esas que agitan brazos y aceleran la sangre de los corazones.
A casi un lustro de la formación de la banda, afirman que la principal evolución fue “conocer una especie de espíritu central que nos une, y que a la hora de componer o tocar en vivo hace que todo sea más productivo, armonioso y divertido”.
Con la edición de “Navidad de Reserva”, (continuada luego con “Un Millón de Euros”) iniciaron una trilogía musical que habla sobre el nacimiento, la vida y la muerte. En vistas del esperado cierre de la misma anticipan el título de su próximo disco, denominado “Día de los Muertos” y nos comentan como surgió la idea y cuál es el concepto central que atraviesa dicha trilogía musical. “La idea nace de querer hacer discos con personalidad, que el álbum sea en si una obra, con cierta armonía en el concepto principal. Lo primero que salió fue la idea de un disco de navidad, yo estaba escuchando bastante Elvis y Beach Boys, y veía como en una época era un recurso comercial casi obligatorio. A la vez, readaptamos la idea de esos tiempos al contexto actual con una estética mas argentina, de calor, decadencia y amor violento”.
En relación a la manera en que han logrado reconvertir esa idea de abatimiento que agrupaba a la escena indie en los 90’, logrando que su música logre arrimarse al gusto masivo y popular, sin caer en el chauvinismo, su líder Santiago Motorizado alega: “No recuerdo mucho, porque era mas joven y mi memoria es mala. Creo que en los 90’s Radiohead, gran banda de la cual era muy fan, marcó a muchos y seguramente la tristeza que sentía Tom Yorke, contagió a todos, pero después de llorar mucho en el pecho aparece un poco de alegría de contraste, que es la mejor, y entonces te dan ganas de salir a festejar con los pibes”.
Intentando encontrar el hasta ahora imposible punto “G” del rock, ese que haga unir el gusto del público por las bandas “maisntream” del rock argentino con bandas de la nueva escena, opinan al respecto: “Quizás en el pop mas puro, hay similitud, en el rock no lo veo. Quizá Babasónicos, a pesar de estar cada vez más súper prolijos, mantengan en sus canciones un poco de espíritu juvenil y rock indie. Más allá del under o no under, hay gente que hace un arte hermoso y genial. Uno por ejemplo va al Club Alumni, un sábado a la madrugada y ve algo bueno en serio como Viva Elástico, Los Reyes del falsete, Marmol R, Minicomponente, 107 Faunos o Prietto, que separan claramente las estupideces que te pasan por los canales de música”
En síntesis, El Mato a un policía Motorizado marca varias pautas de redescubrimiento artístico para el rock argentino (como el Kraut-rock), y arenga a toda una generación joven a construir musicalmente fuera de todo cliché anglosajón que históricamente tiño al rock local y quizá lo mas importante :
La sensación de que es posible formar una banda con amigos, y hacer de la misma un producto artístico personal y sumamente valioso, que marqué toda una era. Algo que los fanáticos de la música como ellos, anónimos o yo personalmente, siempre anhelamos y soñamos desde chicos.
Bernardo Damián Dimanmenendez
"El camino de la canción melónama"
Les Mentettes, lanzo su primer Lp, “Let´s Mentettes”. Con ángel propio para la sutileza melódica, el disco se construye de manera personal, sin obligación alguna de mostrar formas novedosas para el rock, sino con el objetivo de resaltar que lo importa son las canciones empalagosas para los oídos, que nutren al rock desde hace más de 50 años.
En los últimos años, el rock ha navegado en una intransigencia por descubrir nuevos mapas sonoros, a partir del fin del disco como concepto artístico y comercial en la música, el auge del mp3 y la proliferación de estilos poliformes, más allá de un género determinado. De este modo, la ideología de los músicos ha pasado por releer los casi 50 años del rock, para que a partir de su melomanía, puedan definir patrones de composición.
Numerosas veces la indulgencia y soberbia de los mismos, produce obras excesivamente pretenciosas, en lugar de discos frescos y personales.
Producido por Mariano Esaín, quien posee la justeza para llevar a un sonido “hi fi”, las ambiciones sonoras de las bandas “indies” de la escena porteña, sin afectar por esto, la esencia musical de las mismas o depositarlas en un plano, dónde el sonido sea más importante que la arquitectura personal de las canciones.
Si bien desde el vamos, el disco de Let´s Mentettes no intenta cambiar o revolucionar el actual panorama de la música, su relectura de diversos géneros musicales, como el Folk., el new romantic, el cocktail de salón y el brit-pop, convierte a sus melodías en respetuosas y amigables para el oyente.
A partir de un cuidado de cirujano de las armonías vocales, y los arreglos de teclados y piano, sumado a elementos que adornan vistosamente la canciones, (como lo pueden ser el xilophón o el Kazoo), la banda retrotrae esos paraísos de elegancia sonora iniciada allá en los 60’ por los hermanos Davies de los ya legendarios The Kinks, y que en los 90’, fue continuada, entre otros, por el líder de los Divine Comedy, Neil Hannon.
Conjugando perfectamente el pulso rítmico de la música de salón, con la estética dandy que pregona el mismo, aparecen piezas musicales como “Hold On”, “Tell Me” o Earth Inc.
Y esto es quizá lo más destacable de Les Mentettes, la flexibilidad para construir canciones, que fluctúan entre la seducción bailable, y la melancolía fina y con altura, que permiten que sean escuchadas en una pista de baile, como en una reunión amena entre amigos
También, el retro-folk modernista que trabajo Beck en discos como Mutations, es aprovechado por esos paisajes relajados, que se escucha en las voces, y en los arpegios de guitarra, de temas como “Folky” o “I Got No Money”.
También hay dejo para el soul meláncolico de bandas como The Specials, que funciona como contrapartida de la algarabía social y el cocktail del salón del baile, es decir la soledad y reflexión “post fiesta”, que asoma claramente en temas como “Mona” y “1953”.
En síntesis, el primer Lp de Les Mentettes, resulta un disco que va mucho más allá de un concepto estético o sonoro de época, sino que representa una obra dónde lo nuevo, deja paso a lo “neo”, para intentar mantener la frescura de la canción, fuera del cliché “flogger” de formas y contenidos, que tanto viene caracterizando a las mayorías de las bandas de la escena under porteña. Sólo como observación negativa, podría mencionarse ese intento “internacionalista” de cantar todas las canciones en inglés, cuando por capacidad propia y dotes musicales naturales, podrían llegar a ser unos dignos narradores contemporáneos y vernáculos de historias criollas, que tanto escasean hoy en día por estas tierras.
En los últimos años, el rock ha navegado en una intransigencia por descubrir nuevos mapas sonoros, a partir del fin del disco como concepto artístico y comercial en la música, el auge del mp3 y la proliferación de estilos poliformes, más allá de un género determinado. De este modo, la ideología de los músicos ha pasado por releer los casi 50 años del rock, para que a partir de su melomanía, puedan definir patrones de composición.
Numerosas veces la indulgencia y soberbia de los mismos, produce obras excesivamente pretenciosas, en lugar de discos frescos y personales.
Producido por Mariano Esaín, quien posee la justeza para llevar a un sonido “hi fi”, las ambiciones sonoras de las bandas “indies” de la escena porteña, sin afectar por esto, la esencia musical de las mismas o depositarlas en un plano, dónde el sonido sea más importante que la arquitectura personal de las canciones.
Si bien desde el vamos, el disco de Let´s Mentettes no intenta cambiar o revolucionar el actual panorama de la música, su relectura de diversos géneros musicales, como el Folk., el new romantic, el cocktail de salón y el brit-pop, convierte a sus melodías en respetuosas y amigables para el oyente.
A partir de un cuidado de cirujano de las armonías vocales, y los arreglos de teclados y piano, sumado a elementos que adornan vistosamente la canciones, (como lo pueden ser el xilophón o el Kazoo), la banda retrotrae esos paraísos de elegancia sonora iniciada allá en los 60’ por los hermanos Davies de los ya legendarios The Kinks, y que en los 90’, fue continuada, entre otros, por el líder de los Divine Comedy, Neil Hannon.
Conjugando perfectamente el pulso rítmico de la música de salón, con la estética dandy que pregona el mismo, aparecen piezas musicales como “Hold On”, “Tell Me” o Earth Inc.
Y esto es quizá lo más destacable de Les Mentettes, la flexibilidad para construir canciones, que fluctúan entre la seducción bailable, y la melancolía fina y con altura, que permiten que sean escuchadas en una pista de baile, como en una reunión amena entre amigos
También, el retro-folk modernista que trabajo Beck en discos como Mutations, es aprovechado por esos paisajes relajados, que se escucha en las voces, y en los arpegios de guitarra, de temas como “Folky” o “I Got No Money”.
También hay dejo para el soul meláncolico de bandas como The Specials, que funciona como contrapartida de la algarabía social y el cocktail del salón del baile, es decir la soledad y reflexión “post fiesta”, que asoma claramente en temas como “Mona” y “1953”.
En síntesis, el primer Lp de Les Mentettes, resulta un disco que va mucho más allá de un concepto estético o sonoro de época, sino que representa una obra dónde lo nuevo, deja paso a lo “neo”, para intentar mantener la frescura de la canción, fuera del cliché “flogger” de formas y contenidos, que tanto viene caracterizando a las mayorías de las bandas de la escena under porteña. Sólo como observación negativa, podría mencionarse ese intento “internacionalista” de cantar todas las canciones en inglés, cuando por capacidad propia y dotes musicales naturales, podrían llegar a ser unos dignos narradores contemporáneos y vernáculos de historias criollas, que tanto escasean hoy en día por estas tierras.
Bernardo Damián Dimanmenendez
jueves, 18 de septiembre de 2008
"Indie-pendiente"
El sello independiente Laptra es una clara muestra de esa disputa que se libra dentro de la industria de la música para preservar la libertad artística de los lineamientos dictatoriales que termina por deformar la originalidad de los músicos y sus respectivas obras. Una batalla que empieza a nivel local, en los años 60 con el nacimiento del sello Mandioca, toma nuevas formas con el auge de lo “indie” en los 90’ y que en la actualidad con Laptra Discos, ofrece un panorama donde la esperanza y la pasión, chocan contra la ingenuidad y los límites presupuestarios.
Hacia 1968, Pedro Puyo junto a Jorge Álvarez impulsa el nacimiento de la discográfica Mandioca, primer sello independiente de nuestro país, con el objetivo de “impulsar la edición y difusión del rock de artistas nativos con formatos diferentes a los establecidos por las grandes compañías
Muchos de ellos con el transcurso del tiempo se transformarían en hitos del rock nacional, como Manal, Vox Dei, Pappo o Tanguito.
En los 90’, la palabra independiente vuelve a adquirir vigencia a través de la intensa movida que se vivió en la primera parte de dicha década, mediante espacios como la revista Ruido o el sello Plot!( integrado entre otros por Sebastián Carreras, actual responsable de Indice Virgen) y movidas que se gestaban en lugares como el Cine Cosmos, La Aceituna Psicodélica, Ozono o Sarajevo. Sin embargo, el destino de los independientes de ese entonces concluyo con un rotundo “Ni”, entre los problemas para hacer de ese circuito “collage”, (integrado por universidades, sellos pequeños, centros culturales, músicos, managers y organizadores de festivales), una conglomeración efectiva que logre desarrollar de manera eficiente los canales de distribución, para que los artistas lleguen a un público masivo, como ocurrió con la escena “indie” norteamericana de los años 90.
La Plata parece estar relativamente cerca de ese universo collage antes mencionado. Ya sea, bajo la bandera del rock férreamente sanguíneo (los Redondos), o de la elegancia (Virus), su escena musical, siempre supo evolucionar haciendo que las propuestas suenen actuales en relación con los tiempos que corren.
La Ciudad platense, presenta una estructura dinámica social particular, debido al fluido contacto que hay entre los universitarios y el rock. Además son numerosos los chicos del interior fans del rock, que van a la ciudad a estudiar (recordemos que la banda de culto platense Las Canoplas, estaba totalmente integrada por estudiantes del interior que se conocieron en La Plata).
Hacia el año 2000, Cobra Discos era un pequeño sello de La Plata, sin ninguna expectativa de bofetazo para despabilar a la escena musical de ese entonces. Sin embargo, y luego de la primera edición de los discos de El Mato a un Policía Motorizado, Cobra Discos se convierte en Discos Laptra.
Su denominación no obedece a ninguna razón en particular. Sus tres principales responsables artísticos Santiago Barrionuevo, Javier Ripoll y Shaman Herrera, aseguran que “buscaban una identidad pseudo corporativa, con una sigla y un logo genéricos, que cumplan una función de parodia”.
El contenido artístico es definido bajo la clara normativa de “Libertad Total”.
Con un catálogo disponible de 18 artistas, los discos que deciden editar, asegura Javier Ripoll (cerebro y alma de los 107 Faunos), “lo realizan a través de una charla con los que empezaron el sello, y después se vota como una junta directiva aleatoria, sin jerarquías”.
En Laptra tampoco sucede, (como ocurre con muchos artistas de los sellos multinacionales que son obligados a deformar su identidad con el único objetivo del beneficio económico), modificando su contenido y estética original. “Los artistas de nuestro sello determinan de manera independiente el contenido y estética del albúm, con plena autarquía y libertad. Lo que importa es la actitud”
Los artistas de su catálogo, aseguran los tres, “en su mayoría son descubiertos en primera persona o compartiendo escenario”, desdeñando la fangosa tarea de andar lidiando con terceros, que termina por lo general, complicando las negociaciones. “No somos cazatalentos, somos artistas que buscan lazos fraternos con bandas que nos llaman la atención”, comentan al unísono.
Generalmente en la historia del rock, los pequeños sellos de un contenido uniforme y respetable, terminan siendo absorbidos por las grandes corporaciones discográficas (recordar el famoso caso de Factory Records, que acabo quebrando y otorgando por “monedas” su catálogo a London Records.
Para evitar estas magras consecuencias, muchas veces los sellos independientes apelan a subsidiarias, para que los ayuden en las tareas de distribución o ampliación de recursos económicos. Los tres al mismo tiempo, responden con ofuscación y sinceridad alegando que “La idea es mantenernos alejados de los grandes sellos. Los sellos grandes, agarran a un artista, tratan de exprimirlo en el momento y después lo patean. Mas allá de las dificultades de financiación, la idea es trabajar a largo plazo. De todas formas, nadie vino nunca a ofrecernos nada”.
Entre los artistas descubiertos recientemente y sobre los que reposan importantes expectativas mencionan a “Los Reyes del Falsete, Minicomponente, Aviones del Futuro, Viva Elástico, Saurus Breton y Tengo un grupo Musical”.
Luego del fracaso de los 90’, la escena “indie” cambio sus rasgos originales “Sodaesteristas”, que hicieron que muchos la tomen como un lugar para el alarde de snobs o intelectualoides de poca monta, por un discurso mas directo o laxo, en sus formas estéticas y de contenido. Con el acercamiento a sectores mas populares, ¿Seria posible hacer del “Nuevo Indie”, una plataforma hacia un real encuentro con bandas populares como La Renga o Los Piojos?
Con humildad y cierta ingenuidad, responden que “No es un objetivo del sello lograr la masividad, si que nuestra música circule por la mayor cantidad de canales posibles, pero sin una estrategia de marketing definida. No estamos en condiciones de cambiar la indiosincracia del publico argentino, y tampoco es un objetivo”. Si alguna de nuestras bandas llega a ese supuesto punto de encuentro será una casualidad, no una búsqueda deliberada, incluso a veces pasa que bandas de “ghetto” como Los Redondos, fueron masivos luego. Todo es una cuestión de azar”.
Bernardo Damian Dimanmenendez
Hacia 1968, Pedro Puyo junto a Jorge Álvarez impulsa el nacimiento de la discográfica Mandioca, primer sello independiente de nuestro país, con el objetivo de “impulsar la edición y difusión del rock de artistas nativos con formatos diferentes a los establecidos por las grandes compañías
Muchos de ellos con el transcurso del tiempo se transformarían en hitos del rock nacional, como Manal, Vox Dei, Pappo o Tanguito.
En los 90’, la palabra independiente vuelve a adquirir vigencia a través de la intensa movida que se vivió en la primera parte de dicha década, mediante espacios como la revista Ruido o el sello Plot!( integrado entre otros por Sebastián Carreras, actual responsable de Indice Virgen) y movidas que se gestaban en lugares como el Cine Cosmos, La Aceituna Psicodélica, Ozono o Sarajevo. Sin embargo, el destino de los independientes de ese entonces concluyo con un rotundo “Ni”, entre los problemas para hacer de ese circuito “collage”, (integrado por universidades, sellos pequeños, centros culturales, músicos, managers y organizadores de festivales), una conglomeración efectiva que logre desarrollar de manera eficiente los canales de distribución, para que los artistas lleguen a un público masivo, como ocurrió con la escena “indie” norteamericana de los años 90.
La Plata parece estar relativamente cerca de ese universo collage antes mencionado. Ya sea, bajo la bandera del rock férreamente sanguíneo (los Redondos), o de la elegancia (Virus), su escena musical, siempre supo evolucionar haciendo que las propuestas suenen actuales en relación con los tiempos que corren.
La Ciudad platense, presenta una estructura dinámica social particular, debido al fluido contacto que hay entre los universitarios y el rock. Además son numerosos los chicos del interior fans del rock, que van a la ciudad a estudiar (recordemos que la banda de culto platense Las Canoplas, estaba totalmente integrada por estudiantes del interior que se conocieron en La Plata).
Hacia el año 2000, Cobra Discos era un pequeño sello de La Plata, sin ninguna expectativa de bofetazo para despabilar a la escena musical de ese entonces. Sin embargo, y luego de la primera edición de los discos de El Mato a un Policía Motorizado, Cobra Discos se convierte en Discos Laptra.
Su denominación no obedece a ninguna razón en particular. Sus tres principales responsables artísticos Santiago Barrionuevo, Javier Ripoll y Shaman Herrera, aseguran que “buscaban una identidad pseudo corporativa, con una sigla y un logo genéricos, que cumplan una función de parodia”.
El contenido artístico es definido bajo la clara normativa de “Libertad Total”.
Con un catálogo disponible de 18 artistas, los discos que deciden editar, asegura Javier Ripoll (cerebro y alma de los 107 Faunos), “lo realizan a través de una charla con los que empezaron el sello, y después se vota como una junta directiva aleatoria, sin jerarquías”.
En Laptra tampoco sucede, (como ocurre con muchos artistas de los sellos multinacionales que son obligados a deformar su identidad con el único objetivo del beneficio económico), modificando su contenido y estética original. “Los artistas de nuestro sello determinan de manera independiente el contenido y estética del albúm, con plena autarquía y libertad. Lo que importa es la actitud”
Los artistas de su catálogo, aseguran los tres, “en su mayoría son descubiertos en primera persona o compartiendo escenario”, desdeñando la fangosa tarea de andar lidiando con terceros, que termina por lo general, complicando las negociaciones. “No somos cazatalentos, somos artistas que buscan lazos fraternos con bandas que nos llaman la atención”, comentan al unísono.
Generalmente en la historia del rock, los pequeños sellos de un contenido uniforme y respetable, terminan siendo absorbidos por las grandes corporaciones discográficas (recordar el famoso caso de Factory Records, que acabo quebrando y otorgando por “monedas” su catálogo a London Records.
Para evitar estas magras consecuencias, muchas veces los sellos independientes apelan a subsidiarias, para que los ayuden en las tareas de distribución o ampliación de recursos económicos. Los tres al mismo tiempo, responden con ofuscación y sinceridad alegando que “La idea es mantenernos alejados de los grandes sellos. Los sellos grandes, agarran a un artista, tratan de exprimirlo en el momento y después lo patean. Mas allá de las dificultades de financiación, la idea es trabajar a largo plazo. De todas formas, nadie vino nunca a ofrecernos nada”.
Entre los artistas descubiertos recientemente y sobre los que reposan importantes expectativas mencionan a “Los Reyes del Falsete, Minicomponente, Aviones del Futuro, Viva Elástico, Saurus Breton y Tengo un grupo Musical”.
Luego del fracaso de los 90’, la escena “indie” cambio sus rasgos originales “Sodaesteristas”, que hicieron que muchos la tomen como un lugar para el alarde de snobs o intelectualoides de poca monta, por un discurso mas directo o laxo, en sus formas estéticas y de contenido. Con el acercamiento a sectores mas populares, ¿Seria posible hacer del “Nuevo Indie”, una plataforma hacia un real encuentro con bandas populares como La Renga o Los Piojos?
Con humildad y cierta ingenuidad, responden que “No es un objetivo del sello lograr la masividad, si que nuestra música circule por la mayor cantidad de canales posibles, pero sin una estrategia de marketing definida. No estamos en condiciones de cambiar la indiosincracia del publico argentino, y tampoco es un objetivo”. Si alguna de nuestras bandas llega a ese supuesto punto de encuentro será una casualidad, no una búsqueda deliberada, incluso a veces pasa que bandas de “ghetto” como Los Redondos, fueron masivos luego. Todo es una cuestión de azar”.
Bernardo Damian Dimanmenendez
martes, 16 de septiembre de 2008
Trovadores del Lustro "K":El Mato a un Policía Motorizado
1.¿A un lustro de la formación de “El mato”, cuál fue la principal evolución de la banda durante este tiempo?
Creo que principalmente conocer mejor una especie de espíritu central que nos une, más allá de los gustos particulares de cada uno, eso hace que a la hora de arreglar y darle forma a las canciones sea mas productivo y armonioso. Después en vivo también todo es mas cómodo y divertido.
2. ¿Cómo surgió la idea de realizar una trilogía que hable sobre el nacimiento, la vida y la muerte?
La idea nace de querer hacer discos con personalidad, que el álbum sea en si una obra, con cierta armonía en el concepto principal. Lo primero que salió fue la idea de un disco de navidad, yo estaba escuchando bastante Elvis y Beach Boys, y veía como en una época era un recurso comercial casi obligatorio, salían cosas muy buenas y mucha basura, claro, pero como siempre. Esta buena la idea de hacer eso ahora, fuera de contexto, con una estética más argentina, de calor, decadencia y amor violento.
3.¿El rumbo musical del cierre de la trilogía con el próximo álbum a sacar, respeta lo anterior o van a experimentar nuevos caminos musicales?
Siempre la idea es que cada disco tenga su personalidad, que corresponde básicamente a esa temática disparadora de cada parte de la trilogía. El nuevo disco habla de la muerte y del fin del mundo. Así que en lo musical la idea fue seguir ese rumbo.
4.“El mato” para muchos pareció reconvertir esa suerte de pose lánguida que acuño el indie en los 90’, por una faceta más popular. ¿Qué opinan respecto a esto? ¿Qué recuerdan de las bandas de dicha época?
No recuerdo mucho, porque era mas joven y mi memoria es mala, pero en La Plata siempre fue un poco así, todo mas ocasional, desde las producciones de recitales hasta en la postura de los músicos, con tranquilidad. Creo que en los 90s Radiohead marcó a muchos, gran banda de la cual era muy fan, y seguramente Tom York tenía problemas y sentía tristeza, seguro, pero como que todos empezaron a sentir tristeza, lo cual está bien, porque es contagiosa, pero después de llorar mucho en el pecho aparece un poco de alegría de contraste, que es la mejor, y entonces te dan ganas de salir a festejar con los pibes.
5.¿Es posible lograr un punto de encuentro entre bandas provenientes del nuevo indie, y las bandas del maistream popular?
Quizas en el pop mas puro, hay similitud, en el rock no lo veo. Por ahí Babasónicos, a pesar de estar cada vez mas “super prolijos”, mantengan en sus canciones un poco de espíritu juvenil y rock indie, me cabe la canción que dice.. “me gustas tanto, quisiera aprenderme tu nombre”… alto hit.
6.¿Qué título va a llevar el álbum que cierra la trilogía?
Día de los muertos
7.¿Han girado recientemente por Brasil y Chile, tienen previsto girar por más países de Latinoamérica?
Nada concreto por ahora, pero claro que nos gustaría y ojalá que salga algo
8.¿Cuáles son para ustedes y debido a qué motivo las bandas que últimamente más proyección ven que pueden tener dentro de la escena “under” local ?
Te puedo hablar de bandas, pero que son geniales, y más allá del under o no under. Gente que hacer un arte hermoso y genial, pero genial de verdad. Por la tele ves a My Chemical Romance y después vas al Club Alumni, un sábado a la madrugada y ves algo bueno en serio como Viva Elástico, Los Reyes del falsete, Marmol R, Minicomponente, 107 Faunos, Prietto viaja al cosmos con Mariano, Shaman y los Hombres en Llamas, La Patrulla Espacial, Go Neko!, Mujercitas Terror, Reno y Los Castores Cósmicos, Demencia, Telephone y muchas mas, por suerte para todos.
Bernardo Damián Dimanmenendez
2. ¿Cómo surgió la idea de realizar una trilogía que hable sobre el nacimiento, la vida y la muerte?
La idea nace de querer hacer discos con personalidad, que el álbum sea en si una obra, con cierta armonía en el concepto principal. Lo primero que salió fue la idea de un disco de navidad, yo estaba escuchando bastante Elvis y Beach Boys, y veía como en una época era un recurso comercial casi obligatorio, salían cosas muy buenas y mucha basura, claro, pero como siempre. Esta buena la idea de hacer eso ahora, fuera de contexto, con una estética más argentina, de calor, decadencia y amor violento.
3.¿El rumbo musical del cierre de la trilogía con el próximo álbum a sacar, respeta lo anterior o van a experimentar nuevos caminos musicales?
Siempre la idea es que cada disco tenga su personalidad, que corresponde básicamente a esa temática disparadora de cada parte de la trilogía. El nuevo disco habla de la muerte y del fin del mundo. Así que en lo musical la idea fue seguir ese rumbo.
4.“El mato” para muchos pareció reconvertir esa suerte de pose lánguida que acuño el indie en los 90’, por una faceta más popular. ¿Qué opinan respecto a esto? ¿Qué recuerdan de las bandas de dicha época?
No recuerdo mucho, porque era mas joven y mi memoria es mala, pero en La Plata siempre fue un poco así, todo mas ocasional, desde las producciones de recitales hasta en la postura de los músicos, con tranquilidad. Creo que en los 90s Radiohead marcó a muchos, gran banda de la cual era muy fan, y seguramente Tom York tenía problemas y sentía tristeza, seguro, pero como que todos empezaron a sentir tristeza, lo cual está bien, porque es contagiosa, pero después de llorar mucho en el pecho aparece un poco de alegría de contraste, que es la mejor, y entonces te dan ganas de salir a festejar con los pibes.
5.¿Es posible lograr un punto de encuentro entre bandas provenientes del nuevo indie, y las bandas del maistream popular?
Quizas en el pop mas puro, hay similitud, en el rock no lo veo. Por ahí Babasónicos, a pesar de estar cada vez mas “super prolijos”, mantengan en sus canciones un poco de espíritu juvenil y rock indie, me cabe la canción que dice.. “me gustas tanto, quisiera aprenderme tu nombre”… alto hit.
6.¿Qué título va a llevar el álbum que cierra la trilogía?
Día de los muertos
7.¿Han girado recientemente por Brasil y Chile, tienen previsto girar por más países de Latinoamérica?
Nada concreto por ahora, pero claro que nos gustaría y ojalá que salga algo
8.¿Cuáles son para ustedes y debido a qué motivo las bandas que últimamente más proyección ven que pueden tener dentro de la escena “under” local ?
Te puedo hablar de bandas, pero que son geniales, y más allá del under o no under. Gente que hacer un arte hermoso y genial, pero genial de verdad. Por la tele ves a My Chemical Romance y después vas al Club Alumni, un sábado a la madrugada y ves algo bueno en serio como Viva Elástico, Los Reyes del falsete, Marmol R, Minicomponente, 107 Faunos, Prietto viaja al cosmos con Mariano, Shaman y los Hombres en Llamas, La Patrulla Espacial, Go Neko!, Mujercitas Terror, Reno y Los Castores Cósmicos, Demencia, Telephone y muchas mas, por suerte para todos.
Bernardo Damián Dimanmenendez
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