La Dama elige

El pasado jueves en el local Kimia de Palermo, la agrupación Top Manta, ofreció un repertorio chispeante y sobrio. Hoy en día, que la propuesta del hedonismo “rocker” pasa más que nada, por aceptar una frívola propuesta estética, los manta conllevan una efervescencia musical, como si fuera el mejor vino, ese mismo, (que copa e invitación de por medio), ninguna dama se niega a aceptar.

Kimia bar clásico nuevo bar palermitano, que a priori ofrece un confort excesivo y poco olor a rock, lo cuál se ve reflejado en la actitud “nazistoide” del personal de seguridad propenso a pedir identificaciones a gente que a simple vista supera la veintena de años. Por si fuera poco, el precio de las bebidas oscila entre los 15 y 20 pesos, que sumado al de la entrada misma, pareciera que estaría asistiendo a una gala de Juanita Viale más que a un concierto de una banda under.
Pese al contexto poco amigable, Top Manta salió a tratar de contrarrestar con su “Power-Brit”, acelerado y contundente, el clima autoritario del lugar.
La idea misma de los Manta de plantear su fórmula musical como una coctelera en la cuál cada tema pareciera ser un ingrediente que le pone pimienta a un supuesto “trago musical”, hace que desde el inicio de su show, la atención de los concurrentes se precipite hacia los sonidos derramados. Como si fuera un tertulio instrumental, con el objetivo de conquistar a los oyentes, más allá de que estos en el fondo sigan terminado el show sus vidas de siempre, como esas chicas, que por momentos tenemos, pero en cuestión de segundos e inesperadamente, se nos van de las manos, (lágrima y decepción final mediante, pues como sabemos el músico dispone, y el oyente elige, de la misma manera, que el hombre dispone, y la “femme” decide en última instancia).
El show arranca con “Tu nada”, le sigue “A Solas con ella” y cierran esta primera parte del show, con “El Nuevo”.
Claramente en esta primera parte se observa el juego directo de guitarras y “yeites” empapados de rock frenético de los Hermanos Gómez (Nicolás en guitarra y Matías en voz), teniendo el respaldo de una batería clave en la manera de acelerar los brazos en los momentos más explosivos de los temas, y un bajo que suena agudamente acertado, llenando lo justo y necesario (fundamental para que la banda resuelva los silencios de la guitarra sin caer en sobredosis instrumentales o abismos melódicos).
Clave para entender su lenguaje musical hedonista, pleno de alienación cosmopolita, suenan “Como la Gente” y “Mi Neurosis”, y la performance de los integrantes en el escenario se enfoca en desafiar la calma de los escuchas sentados, cosa que finalmente logran con “Generación”. Vigoroso en energía y de fulminante final, utilizando el famoso “speach” vocal “Hey, Hey, Hey”,(el que va de los Who a los Ramones, el que va de Neil Young a Nirvana), que sirve como clara metáfora combativa propensa a arrasar con todo lo que se ponga por delante (incluso hasta los “Nazi-bots” de la puerta dieron vuelta sus cabezas para escuchar el tema).
El show cierra con un “Chasquido x Por la Paz”, cuya ebullición musical, recorta el sonido hacia un punto febril de la música, impregnando en su aplicada insolencia musical, las ganas de que el trago servido, sea el mejor degustado por los oyentes, más allá, de que la despedida y (puertas afuera mediante), la calle enmarque a estos, de nuevo en la cruda realidad. El rock debe tratar siempre de ser un desafío dispuesto a probar, como un tertulio oculto y utópico, que más allá de los dolores emocionales, siempre vale la pena degustar. Así como Top Manta lo intenta a través de su arte, sin temor a que las ecuaciones musicales no aseguren éxito o alegría, del mismo modo que nosotros a nuestra manera, nos llenamos de dolor y pasión en el teorema sin resolución que es el amor, porque como bien sabemos todos, en última instancia, el público y la dama eligen.

Bernardo Damián Dimanmenendez

Conjunto y Solución

El pasado sábado, las agrupaciones Alfonso el Pintor y Travesti, se presentaron en la pintoresca Casa Brandon. Las diferentes propuestas (intimista en el caso de los primeros y marcadamente energético en los segundos), resultaron por igual de acertadas, enfocando (cada uno a su manera), diferentes modos de utilizar a la música, como elemento expiatorio de fantasmas y convicciones personales.

La Casa Brandon un elegante salón multiculturalista, ubicado en Almagro (un barrio con mil y una historias para contar), sirvió de acogida para que Alfonso el Pintor y Travesti desplieguen sus respectivas ondas sonoras, las que en el fondo y, instrumentos mediante, hacen presente el inconsciente de imágenes que recorre la mente de sus integrantes.
Alrededor de las 10 de la noche, dio inició el show acústico de Alfonso el pintor.
Abrieron con la juguetona “Vamos a seguir pintándonos”, haciendo gala de una acertado uso de programaciones y suaves arreglos de guitarra y siguiéndole a continuación la “beat”, “Te gusta el rock”.
Así llega “Calma”, tema que quizá resumen el mundo compositivo de Emiliano Sánchez (líder y cantante de los “pintores”). El tema comienza con una programación que tiene sus raíces en el “kraut” melifluo y agreste que tiño el principio musical de la agrupación alemana Kraftwerk (especialmente el disco “Ralph and Florian”), y la letra clarifica a través de contrastes positivos y negativos, un cierto estado de abatimiento diario, en donde la calma solo puede ser lograda, si solo tenemos la fe de creer en algo, más allá de todo obstáculo nostálgico.
Haciendo honor al nombre que la banda conlleva, aparecen las dos últimas pinceladas musicales de la noche de Alfonso el pintor. Así a través de minuciosos arreglos de guitarra electroacústica (Maximiliano Urrutia), que rellenan suavemente la voz (clara influencia del clasicismo inglés que Jhonny Marr sabía explotar en las baladas de los Smiths) suena como si fuera un trazo fino de letanía musical “Eso Vale”. Bien llevada la percusión y prolijo el bajo, (Franco Peralta y Andrés García respectivamente), el tema cobra valor por la sencillez y efectividad confesional que logra con el desarrollo del mismo.
El show cierra, con “Viendo a Marte”, como si el horizonte de búsqueda existencial y matizado con programaciones “pseudo-kraut”, ubiquen al planeta Marte, como fin de un viaje, dónde las aguas de romance y aceptación de uno mismo, avisten una especie de “América purgatoria”, de toda tristeza o abatimiento terrestre.
Media hora más tarde Travesti, inicia su show. Y como casi siempre ocurre, cada vez que los “travas” tocan, pasan cosas que superan el estándar esperado de un show musical.
Violadores de toda forma creativa o norma contextual, el show abre con “Juventud residual”, reflejo visceral y crudo de la esencia musical “caversónica” e industrial que la agrupación bonaerense respira desde sus inicios.
Le sigue “Polstergeist”, para explotar definitivamente con “Bloody Marie”. En dicho tema, Floxon (guitarra y voz), comienza a pasearse por su guitarra entre el público, y luego de forzar a que los concurrentes sentados se ponga de pie, (atosigándolos con su guitarra), y permite (ayudado por un fecundo “noise”), que el público arañe su guitarra, texturando e impregnando la música ofrecida por interacción del concurrente y artista, y dejando en ridículo el concepto de exposición vertical músico-audiencia, como naturalmente ocurre en los shows musicales.
El público alborotado recibe los últimos latigazos, con la psicodélica “ILOVEROLLINGSTONES” y la sugestivamente bailable (como si fuera un ritual pagano y divino), “Poder Florecer”, mientras Alejandro Torres golpea poseído sus teclados, como si oficiara una misa vudú.
Así pasaron dos propuestas musicales diferentes. En el caso de “Alfonso el Pintor”, más enfocada en la seducción del intimismo confesional y edulcorante, en el caso de Travesti, manifiestamente catártica y visceral. Ambos a su manera demuestran su forma original de pertenecer a la música, fuera de todo “Kabuki” (populismo) y misógino mesianismo.

Bernardo Damián Dimanmenendez

Marines musicales al ataque

El pasado Domingo en Castorera, la agrupación musical Michael Mike, se presentó ofreciendo un desbordante repertorio, como si se tratase de una invasión musical, usurpando a través de su música todo elemento que no se corresponda con la dosis de hedonismo y festividad que su arte demanda.
Baile, swing, euforia y por sobretodo canciones para que los huesos del esqueleto se muevan sin ningún “auto-stop”, que aviste algún tipo de final.

La música desarrollada como una invasión sonora con el objetivo de ocupar el cuerpo del oyente, a través de un guiño cómplice de ironía y algarabía, que rompa cualquier barrera o muralla construida por ladrillos de lamentos y desgano.
Esa parece ser la tarea de los Michael Mike, combinando de manera adecuada una “operación musical” que desarrolla una fuerte presencia escénica, versatilidad de sus integrantes en el desempeño de los instrumentos y más que nada, canciones que rápidamente invitan al movimiento aleatorio de pies, manos y cuero cabelludo.
Así los “Michael”, metamorfoseados en una especie de “Marines Musicales”, realizan una estrategia de conquista, que comienza en su porte estética y escénica como queriendo recortar, (ya antes de la ejecución de su propio arte), un universo de sentidos enmarcado en la celebración del hedonismo, por el solo hecho de sentirse jóvenes y poseedores de una energía que irradia la pujanza de querer llevarse al mundo, (música mediante) por delante.
El show se inicia con “Rojo + que Negro”, seguida por “Gente Preciosa”, canción que bien podría simbolizar la esencia de estos “Marines Musicales”, a través de un adecuado uso de “break-beats” neoyorquinos del rap de los 80’, y plena de apología narcótica y fiebre parrandera.
Le siguen las ácidas y deformes baladas “Ballena Surtidora” y “Tanta Gente de Color”, poseedoras de un lenguaje que apunta al grotesco surrealista y paradójico de la vida misma (la letra de “Tanta gente..”, narra: “Tanta gente de color, estacionada en mi barrio, en mi plaza, y yo soy judío y nunca nadie supo bien a quién vote”.
Todo ejército cuenta siempre con algunas armas de mayor sofisticación, para dar más firmeza y seguridad a su conquista, entonces traspolado a esta especie de “rangers musicalizadores”, Michael Mike dispara dos de sus mejores piezas, a través de la poderosa y envolvente instrumental “Introversión”, y la eclecticidad e hipnosis musical que emana “Sara”, la cuál es rematada con un épico estribillo catárticamente emocional (pequeño homenaje a lo mejor del “Regio Rock” mexicano, que va desde Molotov a Kinky).
Cualquier invasión necesita de algún rango que defina los planes a seguir, Michael Mike, paradójicamente y al contrario de esto, apoya la composición de su arte, en la versatilidad y capacidad de adecuación “multi-instrumentalista” de sus integrantes. Así salvo la batería y los sintetizadores (propiedad exclusiva de Jean y Wildcat, respectivamente), los demás integrantes, (ya sea, Cuca, Zeca, T.J. y Big M), según la canción, se pasan de un instrumento a otro, ejerciendo con sutileza, una versatilidad, que tiene como objetivo la canción y no el egocéntrismo o “maneísmo individual”, para que la estrategia de “Marines musicales” sea efectiva y contundente, evitando cualquier “Waterloo musical”.
El show continúa con “Perro”, “Porno”, “El Amante Latino” y la imbatiblemente bailable “Charly Border”.
El show cierra con “El Ritmo que pide tu barrio”, (clara influencia del “old dance” de principios de los 90’), quizá como epílogo perfecto, de la idea de invadir toda persona o lugar físico, a través de una sonoridad pegadiza y ecléctica, desarrollada mediante un dinámico lenguaje musical, cuyos efectos de conquista del oyente son inmediatos, casi tanto como las mejores invasiones perpetradas por “marines” o “rangers”, pero afortunadamente, las armas aquí utilizadas, tienen forma de canción.

Bernardo Damián Dimanmenendez

Periodismo musical "kamikaze": La estela gloriosa, del viento trágico y divino. Segunda Parte.

“Un alarido entre voces mudas”
Siempre que hay heróes de dudosa reputación, es necesario la aparición de “anti-heróes”, que nos recuerden el concepto real de heroísmo y que la humanidad más allá de su diversidad racial y cognitiva, comparte el mismo plano biológico, no exento de crítica o elogio según la ocasión.
Así este embrión de oposición, genera una opción que llevará el nombre genérico de “alternatividad”. De la mano de esto, aparece toda una “otredad”, que condensa toda una bohemia lejos de las luces del estrellato y que deja el exceso de los neones por el intimismo del bar o sótanos. Así después de mucho tiempo, (periodistas jóvenes y adultos se vuelven a encontrar con músicos, contando con la ventaja de saber que toda revolución estética es utópica y con la desventaja, de no terminar de arriesgarse a tomar al toro por las astas). Su dinámica es válida, permitiendo la recuperación de valores rupestres del rock. La escena que genera la misma música, contiene valores y formas de depositarse frente a la vida, que evita sutilmente el “grotesco marketinero”. Lamentablemente estos “new-writers”, no llegan a mucho, y solo queda como eco el alarido de la voz de Kurt Cobain, que aun retumba como el último grito “caversónico”de todo aquel bramido nueva olero y fresco.
Mas allá, de la dinámica “cocktail” que hay en la efervescencia del periodismo británico que junto con las bandas, delinearon el Brit-Pop, (la pimienta la depositan los carismáticos líderes de diversas bandas (sobretodo Oasis, y Blur). Los periodistas anglosajones de ese entonces, híbridos y lánguidamente posmodernos, son una extensión del discurso corporativo de las empresas, sabiendo que acceden a todo, y obvio ni vale la pena levantar alguna bandera por fuera de la línea.
Después de esto el “nadismo” total, solo un ejercicio práctico de mercadotecnia básica bajado por las grandes corporaciones musicales, de manera casi “transpornográfica”. Personalmente pienso que el último atisbo de rebeldía contra el “corporockerismo”, lo llevó adelante el líder de Pearl Jam, (Eddie Veder), en contra del monopolio de Ticketeck en la distribución de entradas, pero la muestra clara de la situación es que mientras los reporteros están más ocupados en subir peldaños siendo políticamente correctos y tomando a los músicos como empleadores que pueden según su desempeño ayudarlo a escalar laboralmente, no enfocan e indagan en su naturaleza artística, generando un campo de disputa ideológica, necesaria para que el rock no se estanque en lagunas que atentan contra su originaria esencia. Entre los músicos, tenemos el nefasto ejemplo de Metallica, cuyos miembros estaban temerosos de terminar comprándose una piscina de oro en lugar de las dos que tenían pensadas, adoptando una actitud cipaya frente a la posibilidad de que la música haga más elástica su forma de adquisición (recordar como comandaban el “bochazo” a Napster).

“De la cuña de Symms a la muleta de Contempomi”
En el plano local, el tema del periodismo musical se inicia con Pelo. Revista meramente didáctica en lo que respecta a la forma de abordar a los músicos y sus obras, y con tendencia a pecar en “lerdeces”, cuando publicaban artículos de penosa calaña como lo eran ¿Con cuál banda del rock argentino te gustaría tocar?. El Expreso Imaginario invoca un lenguaje moderno producto de la clara influencia “beatnik” de sus redactores, pero no implica una actitud desafiante hacia el mismo rock, sino de acompañamiento y de elegancia y hasta cierta devoción platónica con respecto a los músicos. Su interesante narrativa, busca al contrario de Pelo, una mayor reflexión en sus lectores, sin llegar a ubicarse en el lugar alterativo de los “Pub-writer”, sino de cierto confort, evitando la confrontación (igualmente es de tener en cuenta el contexto del gobierno de facto).
Recién el “filo perverso”, aterriza en nuestras tierras de la mano de Enrique Symms y su revista “Cerdos y Peces”. A través de un lenguaje directo, (fuera de toda máscara o convencionalismo), y tomando la renovación espiritual del rock, (impulsada por los Violadores, Sumo y Virus, entre otros), y siempre a contramano de cualquier legado hippie y logrando una dialéctica de rápido choque contra la hipocresía pacata de la sociedad argentina y sus represiones internas y externas. La forma de abordar los temas relacionados al rock y de inclusive entrevistar a sus protagonistas, se mueve en una óptica similar a la de los “Pub-writers”. El músico argentino joven de los 80’, al igual que el periodista de ese entonces no ve con agrado las utopías de cambio de sus hermanos mayores y se encuentra deseoso de vivir un presente en el aquí y ahora. Culto, hedonista y vacunado contra las ideologías, no le hacía asco al reviente de la cocaína ni al sexo casual, pero tampoco le era fácil salir de sus conflictos familiares, laborales, existenciales. Así genera una voz de confrontación rompiendo con todo esquema de dogmático respecto del mismo rock e incluso poniendo numerosas veces a sus protagonistas al borde del ridículo, más allá de valorar su propia música.
Luego de esto, y del fin de la “primavera Alfonsinista”, todo lentamente se va apaciguando teniendo como testamento heroico y de rompimiento final de esa cofradía irónica y talentosa, que se daba entre el músico de rock y el periodista por ese entonces , la carta abierta que Enrique Symms, acertadamente y lejos del chauvinismo mediocrizante (que superada la mitad de los 90’ estallaría como elemento reaccionario para luego terminar de desnudar sus fauces “nazistoides” con la tragedia de Cromagñon), le envía al Indio Solari, (ocurrida la muerte de Walter Bulacio), y que contenía una frase contundente y alertadora de lo que sucedería 13 años más tarde en el recital de Callejeros:
“Indio: Mataron a un invitado tuyo en la puerta de tu casa”.
La necesidad de periodistas jóvenes que supieran darle la justeza narrativa imaginaria a la música que hacia mediados de los 90’, encabezaban la denominada movida sónica (Babasónicos, Martes Menta, Los Brujos, Juana la Loca), y que amenazó con cambiar dentro del rock un cierto orden de cosas, solo logró mover un par de baldosas. Mtv latina comienza por el año 96, la tipificación del packaging de ideas alternativas, (que por estos lares alcanzarían el sumún, a partir del legado de “Jesiquización”, elaborado por unos Babasónicos devenidos en “Babacínicos”). El comunicador de todo esto, debía detentar una estética que represente una especie de “tropo-latino” pero estilizado en una modernidad que cumpla los clichés estéticos que la alternatividad abrazo (Ruth Infarinato, pelo teñido de colores industriales). Son neutros, y su dosis de retórica es básica, como la carmelita que escucha el sermón de la madre superiora del colegio, sin posibilidad de verter algo que revuelva un poco las aguas.
Así, lentamente y con una sociedad sin un “background” claro para hablar de cultura rock, la unión del ámbito futbolero con la música, que confunde armonía o “rupestricidad” vecinal con patoterismo barrabrava, empieza a eyacular su semen rancio y enfermo.
Alentado por periodistas de lengua cómplice y abrazo de Judas (Bebe Contempomi, entre otros), e incapaces de desbordar al propio músico o de superarlos a través del “eco” de escucha que todo periodista musical debe tener, “El Banquete” (como alguna vez mencionó Federico Moura), repleto de alimentos en mal estado y servido a los comensales principalmente por La Bersuit Vergarabat, Caballeros de la Quema, La Renga, y los mismísimos Redondos de Ricota, pronto traería síndromes graves de intoxicación aguda a sus escuchas.
El público se creyó “rockero” por ponerse una remera del “Che” Guevara o la afamada remera “79”, de los Rolling Stones. Rompió todos los códigos de buena convivencia y armonía cada vez que alguna de estas bandas se presentaban en vivo (desde el militarismo para portar los intocables “trapos”, salvo por los “capos designados”, pasando por la agresión a través de bombas de estruendo, puñaladas hacia los mismos fans, e incluso el abuso sexual o físico). Pese a esto, las bandas y el mismo público agredido, continuaban vendiendo el maquillaje extraído del botiquín del leproso, entre las cuáles destacan frases como: “Esto es la fiesta”, “Acá no hay caretas”, “Vamos los pibes” o la clásica “Walter no se murió, que se muera Cerati la p.....”.
El 30 de diciembre del 2004, la supuesta “patria del rock”, enfundo el cañón y salió al ruedo una vez más, pero esta vez, el tiro se disparó por la culata:
“Fontanet: Vender pescado podrido conduce al parricidio”.
Réquiem sin sueños, solo pesadilla de lo que el rock, nunca mereció pero que la demamogia y la indiosincracia argentina misma, queriendo o no tanto, de a poco construyo.

El placer del vuelo, aunque sea por un pequeño momento
Pasados casi 3 años, el panorama del rock de estadio no se modificó, sin embargo, el denominando “rock barrial”, tiene demasiados muertos en el placard, como para detentar algún tipo de credibilidad, solo sostenida por el arcaísmo de los medios, y la falta de opciones y periodistas, que sepan hilar fino para dar cuenta del nuevo panorama del rock argentino.
Casi 12 años después, no se podría hablar de escena pero si de bandas que construyéndose en ámbitos posmodernos, se adecuan al dicho contexto, con altura y creatividad, tratando de traer soplos de aires frescos al rock argentino, que desde hace tiempo funciona a puro pulmotor.
El periodista que logra poner el ojo en la mira, sabe que cuando tocan bandas como Travesti o El Mato a un Policía Motorizado, pasan cosas más allá de la misma música (como subirse a un túnel del tiempo que conduciría al Epstein de Sumo o al Die Shule de los Babásonicos). Por eso mismo, debe arriesgarse a todo, a cambiar la opción de bajada cultural que los medios hacen, teniendo la obligación de poseer un importante “background musical”, que de cuenta de porque en la música actual ocurren determinadas cosas. De este modo, podrá ostear correctamente el germen del pasado y prefigurar el horizonte del presente que se ofrece. Buscando palabras acertadamente panorámicas como las de Fitzgerald, que conlleven la “sonoridad atrayente” que detentaban los “beatniks”, la dinámica incluyente y protagonista de los “pubwriters” de los 70’, la agudeza veborrágica y visceral de Symms; (algunos de los que condensan lo mencionado podemos encontrarlo en Ramiro Baca Paunero, ver la nota que escribió en la Otra sobre Soda Stereo (foto), la dupla que escribió en la misma revista acerca de Peligrosos Gorriones, Federico Granaderos, entre otros).
Ellos y nosotros, luchando contra una infinitud de amoralidad y perogrulladas que destilan heces sifilíticos, exponiéndose con altura al ridículo, sin temor al tropezón. Formulando hipótesis viscerales, que lleven a replantearse al lector su lugar de escucha, confrontándolo plenamente, más allá del resultado final y produciendo un periodismo musical “kamizake”, que más allá del inevitable golpe final, deje la estela de un viento trágico y divino.

Bernardo Damián Dimanmenendez

Periodismo musical "kamikaze": La estela gloriosa del viento trágico y divino. Primera Parte

El periodismo de rock, siempre ha sido un campo para que numerosos jóvenes empapados de surrealistas ideas atmosféricas y llevados por un afán de dar cuenta de experiencias estéticas nuevas, (que superan incluso las establecidas por los códigos lingüísticos), logren transmitir a sus lectores mediante sus palabras, sensaciones o conceptos que permanecían escondidos, aún delante de su visión u oídos. Pasados más de 40 años del comienzo de la relación entre periodistas y músicos de rock, ¿Qué fue lo que ocurrió en el medio para que la relación de ambos, adopte una dialéctica de “misoginia corporativa”, que desploma un cabal horizonte de reflexión sobre las obras producidas y el legado de las mismas?, ¿Hay posibilidad, (ocurridas ciertas “tragedias griegas”), de que el mismo periodista sea un valioso “médium”, que logre hacer replantear a músicos y escuchas, sus condiciones de recepción y de valoración contextual de las obras, más allá del halo comercialmente utilitarista, que envuelven a las mismas?

Perdidos y desmenbrados
Mucho tiempo antes del mismo inicio del rock, a partir del abatimiento de los jóvenes de entre guerras, y con Francis Scott Fitzgerald como abanderado de la por entonces denominada “Lost Generation”. Sus escritos dan cuenta, de la confusión trágica que envuelve incluso a las mismas personas que aparentemente detentan un andar victorioso, sean hombres o mujeres. Por entonces, el jazz se imponía como la nueva música más aceptada por los jóvenes, y parte de esa improvisación misma del jazz, rodeado de vértigo y ausente de formas aceptadas, servía para ilustrar metafóricamente, la impotencia de las normas institucionales para brindarle a miles de jóvenes desempleados o disminuidos físicamente por la primera guerra mundial, una solución a sus problemas, ante los cuáles improvisaban toda una lista de quehaceres diarios para poder hacerle frente a su alicaída existencia.

“Acid-jazz”, “Beatniks” y contracultura psicodélica.
A mediados de los años 50’, el comienzo de la guerra fría, y la emergencia de la megápolis, que por un lado aparentaba toda una estética de confort y modernismo, pero que en recónditos de su estructura, circulaban sigilosamente personas que no podían soportar tanta masa amorfa de seres inanimados. Ingesta de sustancias prohibidas mediante, concurrían a lugares en los cuáles no había aún reglas de convivencia reguladas institucionalmente y eran ávidos de escuchar nuevas formas de prácticas musicales (como lo era por ese entonces el “acid-jazz”, practicado por Charly Parker). De esta manera encontraban un lugar apropiado para calmar todo su maremoto hormonal.
Inmersos en un terreno, en dónde el exceso alcohólico, la aparición de la marihuana, la acentuación de la presencia de drogas más duras como la heroína, la sexualidad no convencional, sumado a la incomodidad situacional que los lleva constantemente escapar sin rumbo definido de la misma urbe dónde habitaban, surgen los “Beatniks”. De palabras que parecen expresar una sonoridad y vértigo similar al expresado por el “acid-jazz”, de por ese entonces, sirven de plataforma para que su legado y filosofía de convivencia, sea un instrumento de acción de la primera generación plenamente curtida de cultura rock, como va a ser la de los 60’.
Luego del correcto formalismo mediático de los primeros 60’, (fundamental para que el mundo conociera a los Beatles y Rolling Stones), las cosas parecen cambiar.
Así revolución sexual y Vietnam de por medio, aparecen por mediados de esa década los “acid-writers”. Periodistas o jóvenes escritores, nutridos de toda una cultura lisérgica, que a través de sus escritos llenos de color y desbordantes de palabras; nutrieron, humanizaron e hicieron madurar al mismo rock. Logran al mismo tiempo, que las prácticas contraculturales de ese entonces, se masifiquen, apoyados en una ideología plenamente contracultural, como si fuera el aullido que pide a gritos un cambio.
Standarizada la cultura psicodélica, y luego de cierto trecho en dónde pareciera que cultura del rock y a la juventud solo pareciera importarle la indulgencia y el apego a las formas excelsas; por encima de un contenido que conlleve el riesgo (síndrome claro de posmodernismo social cuya ola llega hasta los presentes días), aparece el “Pub-writer”.

“Pub-writers”, veborragia filosa de cantina
Aquí ya no hay espacios de convivencia dónde la historias se desarrollen armónicamente. No hay esperanza hippie o misticismo lisérgico, sino solo mugre, hedor e identidades impersonales, decoradas por una fatalidad sentimental y desolación económica.
El “Pub-writer” odia los mega-conciertos, cree que la palabra “amor”, mil veces pronunciada por los hippies, durante los 60’, solo consigue una magra retribución en los 20 dólares que cobran los “super-grupos” de ese entonces. A partir de esto, se nutre de todo lo que se encuentre lejos del “maistream” del rock, de esos tiempos.
Toda esa liturgia plena de odio, desesperación, androginia sexual, adicción y sobretodo “no futuro”, da inicio al punk
En este contexto infectado y alienado, parece estar la clave de la unión del “pub-writer” y el músico punk. Ambos se saben inmersos, en un lugar conflictivo de convivencia, ambos detentan condiciones y capacidades similares de presentarse ante la vida misma. Entonces todo ese respeto hacia los músicos como personas dionísicas desaparece, depositando a ambos en el mismo patio, y con las mismas posibilidades de optar por la salida que más prefieran. El “pub-writer”, da por descontado debido a sus saberes académicos y también a su propia autorreflexión, que cualquier premio de que logre el músico punk, es fácilmente alcanzable por él, desde las misma groupies, hasta el universo que de cuenta su propia arte. Si le reconoce su papel de artesano, y creador de la obra, a partir de lo que expresa su cuerpo al tocar los instrumentos, pero coherentemente lo humaniza, le saca toda plusvalía, más allá de su expresividad musical.
Se disputan un mismo campo de reconocimiento simbólico, (es común que numerosas veces las disputas verbales pasen a los puños entre periodistas y músicos, también sucede que a partir de un mayor background cultural, numerosos periodistas hagan de gurúes musicales de ciertas bandas), o sea una inversión de lo que hasta ese entonces había ocurrido con la música, cuyos ejecutantes se suponían bajados de algún lugar celestial.
El punk muere como parte de la dinámica misma de la música, fagocitándose a sí mismo, como forma de evitar que su “vómito” renovador termine siendo pisado por cualquiera (cosa que igualmente iba a pasar con el correr de los años), y las chaquetas negras son cambiadas por estilizados trajes y corbatas. El pub-writer no puede evitar esta metamorfosis y termina, en un escritorio de la BBC, como “opinológo” de rock.
Era predecible, un nuevo advenimiento del “rock-show”, (sumado al “agiornamiento” del pub-writer), que reestablecieran las condiciones, para la antigua relación entre periodistas y músicos.
Así, el periodismo de rock sufrió durante los 80’, de una excesiva formalidad tomando al rock como un elemento “fashionista” y reaccionariamente ritualista, dónde los músicos formaban en su mayoría (salvo excepciones contadas), parte de una liga de superhéroes, similar a la de las caricaturas animadas (como súmun de todo eso podemos encontrar el video de Van Halen “Jump”).

Bernardo Damián DimanMenendez

"Power-Brit": La fórmula de los hermanos "G".

Siempre a lo largo de la historia del arte lo consanguíneo tuvo un papel fundamental en lo que respecta a la creación. Más aún, si nos referimos al rol de la media audiovisual (llámese cine, o denomínese música, desde los hermanos Lumiere en lo fílmico hasta llegar a los Gallagher en la música). Pese a la oxidación, por la excesiva serialización industrial que les quita algo de la frescura de sus inicios, ambas artes permanecen como la de más llegada entre jóvenes y adultos, detentado una pequeña ventaja la música por implicar un menor esfuerzo de codificación en el receptor.
Top Manta, es una de las pocas bandas de la actualidad que adhiere a un discurso de tomar al rock como un elemento de expresión básico, conjugando hedonismo y vigor musical, fuera de todo pretencionismo doctrinario o levantada artística discursivamente demagógica (llamese vanguardia o rock barrial).
La desfiguración sentimental, la disfuncionalidad familiar, el narcoticismo frente al embote visual de la mole muda de cemento, y la irreverencia frente a todo contratiempo, decorado por una consanguinedad que funciona como embrión de la semilla que los hermanos Gómez (Matías en voz y guitarra; Nicolás en guitarra), cultivan para componer su mundo artístico.
Acá no puede haber discurso musical enmarcado en sensibilidad campestre o suburbana, que de cuenta de un patrón claro de sonido que defina un lugar. Capital Federal es una y es otra a la vez. Es el confort “palermígena”, y a la vez la desidia de Lugano, es la “tragicatolicidad” hispana o Italiana, y a la vez, el mutismo Judío, no hay una referencia clara visual, sonora o simbólica sino solo, pastiches de piezas de diferentes colores que se enmarcan en un cuadro multiculturalista y pseudo-progresista.
En ese cuadro contextual heterogéneo, aparece Top Manta, guitarras disparadas de arreglos simples y directos, dónde las melodías son acompañadas certeramente por la correcta potencia de la batería (Alfredo Recalde), y el vigoroso sonido de bajo (Federico Alberto), conjugando un “Power Brit”, que mezcla la base del rock norteamericano de costa oeste de principios de los 90’ (Stone Temple Pilots, Flaming Lips, Alice in Chains), con el colchón sonoro melódico de composición del Britpop mas guitarrero del principio (Oasis y Suede).
Y aquí parece estar el “quid” de la cuestión de su primer Ep (“Top Manta”), editado a principios de este año. Más allá del acercamiento de ciertas bandas sónicas de los 90’, hacia un formato más “brit”, ninguna supo captar la liturgia retórica hedonista y de naturaleza fresca y nueva olera. Top Manta recorre a través de riff veloces, machaques guitarreros aceitados, (como en el caso de “Mi Neurosis”), toda una topografía musical en dónde el vértigo de la misma música se apoya en letras que buscan rastrear un realismo básico que atañe a la esencia cosmopolita, (al contrario del lenguaje surrealista y acertadamente grotesco de las bandas sónicas de los 90’), ya sea a través de la adicción “non-santa”, neurasteria cerebral, e impotencia por un cierto fatalismo sentimental, al saberse inmerso en una mole de cemento, donde la afasia comunicativa parece ser la regla implícitamente aceptada, (en “Como la Gente”, la letra en cierta parte narra “Como la gente, que habla sola al caminar, se disfraza de normal”.)
En dicho tema hay restos fósiles del “hard-alternativo”, a través del uso de octavas descendentes que se apoyan en un baterista que sigue la escuela de los “paleros británicos” (Keith Moon, Mick Avory) y el bajo preciso de sonido gordo que llena los espacios con justeza sin llegar ahogar y cierto “Glam-Noise” del primer Oasis en “Un Chaskido x por la Paz”,(escuchar como la canción alcanza su punto de ebullición y resolución a la vez, a partir del solo de guitarra).
Si el rock se nutre generalmente de una cebada cultivada a partir de elementos irritantes y fatuos de la mass-media o de la vida misma, pareciera ser que los “Hermanos G”, agitaron bien la botella, para que una vez destapada la misma y “combustión artística mediante”, la espuma derramada a través de su música, (y parodiando su mote artístico), intente arrimarse al punto “G” del mismo rock, logrando un orgasmo de locuacidad musical y frescura, que revivifica acertadamente el añejado cocktail de “sexo, drogas y rock and roll”, por fuera de todo dogmatismo mesiánico o chauvinista.

Bernardo Damián Dimanmenendez.

Hecha la regla, hecho el frenesí

El pasado viernes la agrupación platense Norma se presento en Salón Pueyrredón ofreciendo un show pleno de energía, donde el impulso frenético de su música pareciera por momentos abrazar un estado de epilepsia artística..

Expresionismo y Post-Punk

Formados en el 2003 y luego de su festejado primer Lp “Rock 2 tonos” (2006), Norma brindo en un show contusivo de casi una hora. A través de un minimalismo post-punk compositivo (claras influencias de Devo y Wire, en el plano internacional y del primer Virus en el plano local), y teniendo como meta la expresión explosiva y rudimentaria que lo acerca a un rock expresionista, que intenta revelar sentimientos interiores pesimitas utilizando un agudo sentido de la ironía.
Pasadas las 3 de la madrugada, el show abre con “Uno”. A puro machaque de guitarras cruzadas, la lírica da cuenta, que en el fondo uno mismo es el que motoriza el sentido de su vida, más allá de los demás.
Le sigue “Diamante”, autoproclamación de valores de oponer la acción misma frente a cualquier estancamiento indulgente recurrente en el ser humano de hoy en día (en este caso sería la música), como búsqueda de una exploración de uno mismo. Su cantante Chivas Arguello canta “no te quedes dormido en la tumba de flores con agua”.
Si Virus en su primera etapa convocaba a salir a bailar el “wadu-wadu”, o no atragantarse con fantoches musicales consagrados, todo se daba dentro de un contexto que festejaba el fin del invierno cultural del proceso y el comienzo de la “Primavera Alfonsinista”.
Norma dentro de un hábitat artístico, que ironiza sobre el realismo fatídico urbano, ya no puede contextualizar su arte sobre el “smowing” del festejo nocturno o advertir sobre el chantaje del “mainstream rock consagrado”, sino que busca su base compositiva, en la “otredad” que dejaron los 25 años de democracia ininterrumpidos. De este modo captando imágenes básicas urbanas donde la felicidad parece ir siempre a contramano, surge su expresionismo musical, retratando toda una masificación de sentimientos perturbadores que dirigen la construcción de la identidad del argentino pesimista y abatido por la impotencia de no ser uno mismo.
Así y siguiendo esa óptica realista y expresionista, aparece uno de sus mejores temas, el hit “Chalet”. Bien llevadas las guitarras a través de un sonido limpio (Chivas Arguello y Gualberto De Orta), y seguidos correctamente por el bajo (Pablo Coscarelli) y la batería (Richard Baldón), toman la metáfora del chalet, como símbolo de la standarización social aceptable para el argentino, como lugar de ocultamiento de su alma, siempre poco comulgada consigo mismo.
Frenéticos y como queriendo vomitar las canciones para dar un sentido teatral más verídico a su expresionismo realista y contundente, se despachan con “Natural”, “Ninos”, (mirada cínica sobre los recursos humanos empleados por las multinacionales), “Enamorado”, “350”, “Cenizas” y “Warhol” (retrato del “no día” y la enajenada futilidad que envuelve al ser humano del siglo XXI).
Los Norma cierran con “PC”, vitoreando en su letra, al viejo ritual que envolvía al disco y el oyente, antes del aluvión del MP3.

Más allá del panóptico musical

Así, luego de breves pohos y varios aplausos cerró el show Norma, demostrando luego de 60 minutos de vigorosa música, que más allá de que las reglas, obligaciones y disposiciones culturales (“la norma panóptica de Bentham”, en este caso), nos coercionan de manera tal, que muchas veces nos alejan de la posibilidad de poder encarrilar la vida hacia un lugar de natural satisfacción, pero que más allá de esto, esta siempre la capacidad de intuición y curiosidad de nosotros, para permitirnos sortearlas e ir hacia un horizonte mejor. Así como Norma, que pese a las reglas de “ladinismo comercial”, que afecta a la mayoría del rock argentino, se aparta de esto y nos ofrece una música vigorosa, mezclando adecuadamente dosis de simpleza y contundencia.

Bernardo Damián Dimanmenendez